Ab 1982 haben wir unsere Daten digitalisiert, auf CD gepresst und verkauft. Anfangs haben unsere Controller über diese Digitalisierung genauso gejubelt wie Eure Geheimdienste. Wo Euer CIA und die anderen Dienste glaubten mit den digitalen Daten einen Erkenntnisgewinn zu haben, freuten sich unsere Erbsenzähler über die Gewinnsprünge, die damit verbunden waren. Bis Ende der Neunziger wurde abgesahnt: Die Konsumenten kauften oftmals das, was sie bereits anlog auf Vinyl besaßen, nur jetzt halt digital auf CD zum doppelten Preis. Dankeschön, für die Musikwirtschaft war das ein herrliches Geschäft.

Früher als ihr mussten wir aber feststellen, dass die Sache auch einen Haken hat. Mit der Einführung des CD-Brenners wurde klar, dass Digitalisierung kein Original mehr kennt. Unsere Musik wurde auf selbstgebrannten CDs auf Schulhöfen und in Uni-Mensen verteilt und schließlich auch übers Internet. Natürlich waren wir zornig. Ich erinnere mich noch an das hochrote Gesicht meines Chefs, des damaligen Präsidenten der Universal, wenn das Thema auf Datenkopien kam. Als ein Mitarbeiter in einem Meeting von jugendlichen Fans sprach, die mit modernen Technologien herumspielten, sprang er auf und schrie ihn an: “Das sind keine Fans, das sind Kriminelle und die gehören zerschmettert.”

Das klingt bei Sarah Palin nicht sehr viel anders, wenn sie über Wikileaks spricht. Manche ihrer Parteifreunde – wie der ehemalige Gouvernor von Arkansas – gehen da sogar noch einen Schritt weiter: Er fordert die Todesstrafe.

Sind Daten erst einmal digitalisiert, kann man sie nur noch schwer oder gar nicht kontrollieren. Das ist eine bittere Erkenntnis. Da platzt einem schon mal der Kragen. Aber verglichen mit Euch waren wir in unserer Reaktion fast milde. Familienväter und Mütter von Urheberrechtsverletzern wurden von uns mit Klagen über hundertausende von Dollar überzogen, nach Leib und Leben trachten wir ihnen nicht. Naja, wir verloren durch Datenkopien ja auch nur Geld, Ihr aber Glaubwürdigkeit.

Vielleicht hat Shawn Fanning auch einfach Glück gehabt, dass wir keine Geheimdienste haben. Hinter Gittern haben wir unseren Lieblingsfeind und Begründer von Napster nämlich bis heute nicht bekommen. Dafür haben wir seinen Laden platt gemacht, die Justiz war da in Form der Richterin Pattel aus Kalifornien auf unserer Seite. Geholfen hat uns das allerdings nicht.

Genauso wie längst über 200 Sites die Wikileaks-Informationen spiegeln, war die richterlich angeordnete Schließung von Napster nur Auftakt für neue Modelle zum Austausch von Musik. Auf die, wie zum Beispiel im Fall von Pirate Bay, haben wir dann auch ordentlich draufgeschlagen. Die schwedische Justiz können wir empfehlen. Sie zeigte sich bei uns äußerst kooperationsbereit, verknackte die Pirate Bay-Betreiber. Die Folge war jedoch eine neue Protestbewegung gegen unsere Anliegen samt eigener Partei.

Egal was wir auch versuchten, digitale Löcher ließen und lassen sich nicht stopfen. Kopierschutz, Rechtsschutz, Abmahnungen, Abschreckung, alles für die Katz. Mittlerweile haben wir als Musikwirtschaft die Hälfte unseres Volumens und unserer Macht eingebüsst. Von der einst traumhaften Profitabilität wollen wir hier gar nicht erst reden, Amerika.

Willst Du für Dein Land unser Schicksal vermeiden, dann akzeptiere die Fakten der Digitalisierung. Wir müssen auf Künstler und Konsumenten zugehen und versuchen, die Digitalisierung für einen neuen Deal untereinander zu nutzen. Bei Euch geht es um Bürger und Weltgemeinschaft, mit denen und für die ihr ein neues Verständnis entwickeln müsst.

Ich weiß, das ist einfacher gesagt als getan. Tut ihr das aber nicht, hilft nur der Weg zurück: Sven Regener von Element of Crime fragte mich einmal, weshalb wir nicht einfach alles wieder nur auf Vinyl veröffentlichen würden, das sei doch der einzig mögliche Kopierschutz. Der Mann hatte recht. Wollt ihr also nicht mehr Bestandteil der digitalen Welt sein, dann raus mit all den Computern aus den Amtsstuben, Botschaften, Capitol, Pentagon und Weißem Haus! Betreibt ihr die Reanalogisierung der USA konsequent, hat Wikileaks schweres Spiel: 250.000 Aktennotizen bekommt niemand physisch in Ordnern bewegt ohne dass ihr das lange vor der Veröffentlichung bemerkt!

Eine Welt mit einem gestrigen, weil analogen Amerika wäre aber ärmer. Deshalb gebt Euch Mühe, die Konsequenzen der Digitalisierung nicht zu bekämpfen, sondern zu erkennen und zu meistern. Wir von der Musikwirtschaft versuchen es ja mittlerweile auch.

Napster auf den Elektrischen Stuhl? on CARTA | 20 comments

Die Reaktion auf die Absage der Popkomm kam prompt: Eine Gemeinschaft aus Netz- und Musikaktivisten (zu der auch die re:publica-Veranstalter newthinking und der Autor gehören) startete als gemeinnütziger Verein ein offenes Diskussionsforum, um sich den Problemen zu stellen. Im Rahmen der all2gethernow (kurz a2n) wurden 2009 erstmals nach Lösungen für Bands, Labels und Internet-Community gesucht. Kurz darauf feierte das “Berlin Festival” seine Premiere auf dem Flughafen Tempelhof. Veranstaltet wird es von der privatwirtschaftlichen Melt/intro-Gruppe.

Neben den Verlegern und Veranstaltern von Melt/intro wurden jetzt der Verein a2n und die städtische Messe in der Berlin Music Week zusammengefasst. Man wollte sich vernetzen und nicht gegeneinander arbeiten. Das war einerseits ein Gebot der Logik, andererseits aber auch ein Wunsch der Stadt. Von der Zusammenarbeit verspricht man sich Denkanstösse mit dem Begin des a2n-Camps am 6. und 7. September in der Kulturbrauerei und Konzerthöhepunkte mit dem “Berlin Festival” bis zum 11. September auf dem Rollfeld von Tempelhof. Zwischendurch, am 8. und 9. September, wird in den Ankunftshallen der Neustart der Popkomm gewagt.

Die Interessen der Partner sind dabei dennoch durchaus unterschiedlich: Während die a2n für Musiker und Musikproduzenten attraktiv sein möchte, muss das “Berlin Festival” Karten an Konzertgänger verkaufen und die Messe jede Menge Fläche vermarkten. Das zeigt sich auch in der alles andere als homogenen Preisstruktur. Während zwei Tage a2n-Teilnahme für 30 Euro zu haben sind, gibt es das Popkomm-Ticket für alle Tage nicht unter 236 Euro. Der mächtige Preis wird damit begründet, dass man dafür auch Zutritt beim Festival und der a2n erhält.

Viele potenzielle Teilnehmer der Popkomm schreckt ein solcher Preis aber wohl eher ab, denn heutzutage sind viele Bands zugleich ihre eigene Plattenfirma und müssen auf ihr Budget achten. Große Konzerne wie Universal, Sony, Warner und EMI, für die der Preis wohl weniger ins Gewicht fällt, stellen eine deutliche Minderheit in der Breite der Musikbranche dar.

Die Preispolitik wird sicher auch dadurch begründet, dass das Geschäftsmodell der Messe im Verkauf von Standflächen besteht. Die Messe, der weitaus größte Partner im Verbund der Berlin Music Week, hat ihre Aufgabe auch bereits erledigt: Die Ausstellungsflächen auf den Flughafen Tempelhof sind ausverkauft. Der verantwortliche Messe-Geschäftsführer Kleinhenz war darüber so begeistert, dass er glatt alle zuvor getroffenen Absprachen der Partner der Berlin Music Week vergaß: Eigentlich wollte man Fakten und Neuigkeiten gebündelt und zusammen kommunizieren. Mit einer schnell einberufenen Pressekonferenz am vergangen Dienstag eilte er seinen Partnern davon. Den geladenen Medienvertretern wurde verkündet, dass neben diversen Exportbüros aus allerlei Ländern und Regionen nun auch die EMI zur Teilnahme habe überredet werden können.

Wer sich auskennt weiß, dass die EMI mit ihrer Schuldlast von 2.9 Milliarden Euro das Griechenland der Musikbranche ist. Hoffentlich hat sie ihren Stand bereits vorab bezahlt. Auch die anderen Mieter sind großteils Beleg einer noch nicht zu Ende durchlebten Strukturkrise der Musikwirtschaft: Es sind fast ausschließlich städtische oder staatliche Organisationen. Nicht nur in Deutschland wurde Popmusik im Übergang von großen zu kleinen Strukturen Gegenstand staatlicher Förderpolitik. Eine Popkomm, auf der sich die unterschiedlichen staatlichen Programme gegenseitig präsentieren, hat aber eher einen geschäftsfremden Charme und erinnert viel mehr an die „Schaufenster des Sozialismus“ genannten Leipziger Frühjahrsmessen.

Egal ob Musik, Presse, Rundfunk, Kino – die Digitalisierung führt dazu, dass die Strukturen unter Druck geraten, Produzenten und Konsumenten jedoch an Bedeutung gewinnen. Mit Hilfe des Internets tauschen beide Seiten sich nämlich oft gänzlich ohne Mittelsmann aus. Die a2n versucht deshalb Musiker zu binden und ihnen etwas zu bieten: Brachenexperten werden ihnen einen ganzen Tag in einer „Werkstatt“ zu ihrer eigenen Musik Rede und Antwort stehen, der Produzent und Schlagzeuger Martin Atkins (u.a. Nine Inch Nails) erklärt das neue Musicbusiness und die Gründer von „Flattr“ werden aufzeigen, wie Micropayment funktioniert. Das “Berlin Festival” versucht Konzertbesucher im Scharen heranzuziehen: Mit Hot Chip, LCD Soundsystem, Fatboy Slim und vielen mehr werden fast alle Stars der elektronischen Musikszene aufgeboten. Beides wird hoffentlich im großen Rahmen angenommen werden.

Nur die konsequente Einbeziehung derer, die Musik machen und derer, die sie konsumieren, wird auf Dauer zu einer erfolgreichen Re-Etablierung der Popkomm führen können. Der für die Messe verantwortliche Wirtschaftssenat wird sich das Treiben auf der Berlin Music Week sicher genau anschauen. Bleibt es beim bislang diskutierten Timing für das Jahr 2011, findet sie dann direkt vor der Wahl statt…

Diesen Text hat Tim Renner für Carta und sein Motorblog geschrieben.

Berlin Music Week: “Drei höchst ungleiche Partner” on CARTA | 2 comments

mit einiger Überraschung durfte ich Ihr interessantes Resümee zum Sigint-Panel auf Carta lesen, in dem ich auch indirekt angesprochen wurde. Da ich Ihre Sichtweise zur Panelgestaltung, sowie zum Urheberrecht nicht teile, würde ich Ihnen gerne diese Replik zukommen lassen.

In Ihrem Carta-Text „Der Öffentlichkeit nicht den Boden entziehen“ fordern Sie, dass marktwirtschaftliche Belange bei der Urheberrechtsdiskussion nachgelagert werden sollten. Interessant ist es jedoch, dass Sie es in Ihrem Text selbst mehrfach nicht schaffen, diese Sichtweise auszuklammern.

Interessant auch, dass Sie ein „grandioses Scheitern“ einer Diskussionsrunde konstatieren, bei welcher Sie selbst die Spielregeln vorher festgelegt haben.

Dass der kulturtheoretische Aspekt nahezu komplett am eher praktisch interessierten Publikum vorbeiging, ist Ihnen leider entgangen. Dass es nicht wirklich fair war, in Ihrem einleitenden kulturtheoretischen Abriss auch noch die eigene Meinung überdeutlich zu verankern, und somit gleich das Thema nur auf den Diskussionsbereich zu fokussieren, in dem Sie sich wohl fühlen, ist schon fragwürdig. Dass Sie es aber nötig haben, dann auch noch unsere Aussagen wie „Das Urheberrecht ist eigentlich ein Anreizsystem für kulturelle Leistung“ zu ökonomischen Reizparolen wie „Leistung muss sich wieder lohnen“ umzuformen, ist nahe am Skandal. In der Tat erledigen sich so weitere „lösungsorientierte“ Diskussionen mit Ihnen.

Leider reichte die Zeit nach Ihrem 20-minütigen tendenziösen Vortrag und der abschließenden Fragerunde des Publikums in der Tat kaum für die versprochene Lösungsorientierung. Die soll hier nachgereicht werden. Nachdem Robin Meyer-Lucht ihre ökonomischen Thesen in seiner Replik zurecht widerlegt hat, möchte ich mich nun daran versuchen, dies auch auf kulturtheoretischer Ebene zu tun:

Natürlich haben Kulturgüter idealerweise in einer öffentlichen Sphäre zu existieren, und wir wollen die Schranken zum Zugriff auf Kultur möglichst niedrig halten. Das heißt jedoch weder, dass sie ganz fallen sollten, noch bedeutet es, dass Kultur nur aufgrund der öffentlichen Zugänglichmachung per se von Produktionsmechanismen abgekoppelt sein kann.

Ich habe diesen Text an einem Abend in wenigen Stunden verfasst und deswegen kann ich durchaus auf finanzielle Entlohnung oder auf die Unterstützung von Produktionsmitteln verzichten. Ich kann den Text als sein Urheber unter Creative Commons stellen, oder ihn auch auf meiner Festplatte versauern lassen. Ich könnte ihn aber auch der Süddeutschen, der taz oder eben Carta zur kostenfreien oder lizenzierten Nutzung zur Verfügung stellen. Aufgrund der Tatsache, dass nur wenig Arbeit in diesen Text geflossen ist, kann ich ihn durchaus kostenlos bereitstellen, denn es liegt mir am Herzen, Ihr fehlgeleitetes Verständnis vom Urheberrecht zu thematisieren.

Die Option des Urhebers, die oben genannten Nutzungsregeln selbst festlegen zu dürfen, ist ein genialer Schachzug des Urheberrechts, der uns für eine lange Zeitspanne ein Füllhorn von kreativen Leistungen gebracht hat, und mit zur aufgeklärten Gesellschaft führte. Das Urheberrecht ermöglichte in den 40er Jahren des letzten Jahrhunderts einen Abbau von Rassentrennung, indem es zum Beispiel erstmals schwarzen Jazz in weiße Haushalte brachte, in Form von schwarzen gepressten Scheiben.

Das Urheberrecht ermöglichte auch erst das, was wir heute als „Popkultur“ kennen und begreifen. Es verhalf Elvis Presley und Frank Sinatra zu Weltruhm, obwohl diese kaum ihre Songs selber schrieben und alle sechs Monate lediglich eine fremdproduzierte Platte einsangen. Es war ein Treibsatz für Kulturprodukte generell, für Film, Musik, Buch und Software. Dieser Siegeszug des modernen Urheberrechts wird in der aktuellen Diskussion gerne vergessen.

Sie argumentieren, dass das Urheberrecht auf einer naturrechtlichen Ebene keinerlei Legitimation hat, und damit haben Sie Recht. Solch eine naturrechtliche Legitimationsgrundlage hat aber unsere Verfassung genauso wenig, wie irgendein anderes theoretisches Regelungskonstrukt dieser Welt. Das einzige naturrechtliche Prinzip, welches in Rahmen dieser Überlegungen zum Tragen kommen sollte, ist, dass sich mein Körper in regelmäßigen Abständen nach Energiezufuhr in Form von Nahrung und Wärme ausrichtet. Bräuchte ich weder Essen noch Trinken, dann wäre ich wohl der Urheber, der Ihren Ansprüchen nach Kulturgütern genügt: Genügsam, anspruchslos und ständig aus rein idealistischem Antrieb kreativ. Ein kulturelles Perpetuum Mobile.

Leider ist dieses Konstrukt Phantasie, und selbst wenn ich ohne Gewinnabsicht unablässig Wissenschaft und Kultur produzieren wollte, so brauche ich doch für Kreativwirtschaftsgüter ab einer gewissen Komplexität eine Energiezufuhr in Form von Kapital. Für einen Film muss ich Kameras und Requisiten anschaffen, und selbst wenn alle Schauspieler und Filmcrewmitglieder ebenfalls monatelang ehrenamtlich arbeiten wollten, so erklärt es noch nicht, wo diese Ressourcen denn herkommen sollen.

Ihrer Meinung nach übersteigt der Anspruch der Öffentlichkeit, auf Kulturgüter zugreifen zu dürfen, den Anspruch der Kreativen, ihre Kulturgüter auf Basis von Ausschließbarkeit erstellen zu können. Aber Kultur entsteht nicht im luftleeren Raum, und für die notwendige Verdichtung von Ideen zu Kultur braucht es – bis auf wenige Ausnahmen – eben Energiezufuhr, nicht nur aus Gründen der Motivation oder des schnöden Gewinnstrebens, sondern aus simplen Energieerhaltungs-Grundsätzen. DAS ist nicht nur eine Naturregel, sondern ein Naturgesetz.

Setzen wir nun Ihren postulierten Anspruch auf Kulturgüter durch, senken wir nicht nur die Schranke zum Zugriff auf Kultur gegen Null, wir verhindern auch aktiv die Produktion der Kulturgüter, die Energiezufuhr oberhalb der Schwelle von reinem Idealismus oder Hobbytum benötigen. Und glauben Sie mir, das sind in der Regel die Kulturgüter, die unsere Gesellschaft in der Tat formen und positiv beeinflussen. Das kostenlos erstellte Youtube-Video, das neue Kulturströmungen formt, muss erst noch geboren werden.

Der Kahlschlag an der Kultur – sowohl im Theater-, Film- und Musikbereich, als auch im professionellen Journalismus- und im Buchautorenbereich – wäre desaströs. Nur noch finanzielle Unabhängigkeit würde Kreativen erlauben, Kulturgüter oberhalb einer gewissen Komplexitätsschwelle zu erstellen. Wir fielen zurück in ein Zeitalter des Mäzenatentums, in dem persönlicher Reichtum die Kulturproduktion bestimmt.

Dieses Manko wäre nur durch eine Komplettsubvention dieser Kreativwirtschaftsbereiche durch den Gesetzgeber zu beseitigen. Ich wünsche ihnen dabei viel Glück, denn die Kreativwirtschaft ist die drittgrößte Wirtschaftsbranche in der Bundesrepublik, hinter Maschinenbau und Automobilindustrie und noch vor der pharmazeutischen und chemischen Industrie. In einer Wirtschaftsgesellschaft wäre dies ein legendärer Schuss in den rechten Fuß, und zwar nicht mit einem Taschenspielercolt sondern mit einer abgesägten doppelläufigen Schrotflinte.

Was erhielten wir nun dafür? Wir bekämen den freien Zugang auf Kulturgüter. Die Frage ist derzeit, ob der Zugang auf Kultur denn wirklich so stark verknappt ist, dass die Exklusivität des Urheberrechts der Gesellschaft schadet. Ich schaue mal eben in mein Medienregal und sehe neben einem guten halben Dutzend nur teils gelesener Tageszeitungen mehrere Bücher, CDs und einige Blu-Rays.

Nein, hier herrscht sicherlich keine Knappheit, weder für mich als derzeit eher schlecht verdienenden Selbstständigen, noch für einen Hartz-IV-Empfänger, der auf öffentlichen Rundfunk, Stadtbibliotheken, Online-Medienarchive der Radio- und Fernsehanstalten, einen erstaunlich günstigen Gebrauchtgütermarkt auf eBay, Amazon oder andere Auktionshäuser und – last not least einen – reichhaltigen Markt an unter Creative Commons veröffentlichter, freier Kulturgüter zurückgreifen kann – ohne jemals Urheberrechte verletzen zu müssen.

Ich sehe auch nicht, dass das Senken der Kulturgüterschranke einen wie auch immer gearteten positiven Effekt auf unser gesellschaftliches und kulturelles Leben hätte. Trotz des Zugriffs auf Wikipedia und andere Informationsquellen sinkt das Allgemeinbildungsniveau deutscher Schüler ständig weiter. Was nicht sinkt, sind die größtenteils hervorragend ausgebildeten Computerkenntnisse. Das idealistische Weltbild, dass man Personen nur eine Bibliothek aufschließen muss, und sie würden alle deutlich klüger erweist sich jetzt schon als Trugschluss. Im Gegenteil, je niedriger die kollektiven Schranken zum Zugang liegen, desto geringer die Motivation sie auch überhaupt zu übersteigen.

Nein, der Anspruch des Zugriffs auf Kulturgüter im Onlinezeitalter ist lediglich die Forderung von mehr convenience und geringerer finanzieller Eigenbelastung im Netz. In letzter Konsequenz der pure Egoismus des homo oeconomicus, der sich über rechtliche und technische Schranken zynisch hinwegsetzt, weil die Netzgemeinde es geschafft hat, sich ein Bild einer content industry zu meißeln, und diese Leistungserschleichung bereitwillig als gesellschaftliche Notwehr umdeutet.

Sie mögen dem entgegentreten und sagen, dass es Verwertern in ihrem Konstrukt durchaus erlaubt sei, Geld mit Kreativwirtschaftsgütern zu verdienen. Aber der Beweis, dass mit einem nichtexklusiven Gut noch marktwirtschaftliche Wertschöpfung zu erzeugen sei, muss leider noch erbracht werden. Denn nicht die Knappheit – oder wirtschaftswissenschaftlich ausgedrückt – die sog. „Rivalität“ der Güter, ist entscheidend für funktionierende Märkte, sondern lediglich die Exklusivität, also die Ausschließbarkeit der Güter im Konsum. Im Urheberrecht mögen Sie dies anzweifeln, aber bei anderen Mautgütern wird es deutlicher:

Wie sieht es aus, wenn man der deutschen Bahn die Autorität nähme, ihre Fahrgäste zu kontrollieren? Dann würden sich die zahlenden Fahrgäste rasch in Trittbrettfahrer verwandeln. Kann ein Betreiber in einem Kino ohne Eintrittskartenpflicht wirklich nur mit dem Verkauf von Erdnüssen und Nachos auf Dauer überleben? – Das darf bezweifelt werden. Kann ein Frisör mit freiwilligen Spenden seiner Kunden auf Dauer seinen Salon und seine Mitarbeiter erhalten? Von den 73.383 Friseurbetrieben, die wir 2009 in Deutschland hatten, hat sich meines Wissens noch keiner einziger zu ihren marktwirtschaftlichen Thesen bekannt. Dabei kostet eine Friseurschere nicht mal 10€.

Es steht viel eher zu vermuten, dass viele Kunden die Nichtausschließbarkeit dieser Güter gnadenlos ausnutzen würden. Interessanterweise hat die Ökonomie hierfür bereits die Vokabel definiert: Das sogenannte Trittbrettfahrerproblem, welches zeigt, dass es hier nicht wirklich um die Knappheit der Güter geht, sondern lediglich um die fehlende Ausschließbarkeit. Trittbrettfahrer fahren deswegen schwarz, weil sie davon ausgehen, nicht kontrolliert zu werden (fehlende Ausschließbarkeit), und nicht weil womöglich unbegrenzt freie Sitzplätze vorhanden sind (fehlende Rivalität).

Wo bleibt nun die versprochene Lösungsorientierung? Als erstes möchte ich anregen, dass sich die Teilnehmer dieser Diskussion mit den Realitäten des kreativwirtschaftlichen Schaffens auseinandersetzen, bevor sie allgemeingültige Aussagen zu diesem Bereich treffen.

Talent alleine schafft keine Kunst, sondern es braucht nahezu immer Produktionsmittel und Aufmerksamkeit um gesellschaftlich und kulturell zu wirken. Selbst wenn niemand wirklich eine Gewinnerzielungsabsicht hätte, verändert sich diese Formel kaum. Der Musiker Chris Corner von IAMX schrieb zum Thema Raubkopien:

At some point we need to kill our lethargy and believe in things. Everything is so easy. We feel the world owes us everything now. That is insane and unhealthy. We are spoilt, cynical children that need to grow up. I hate money. I hate that we are money dependent. It is a disease of society and the controlling tool of the elite, but nevertheless it exists.

Die Erkenntnis des Künstlers prinzipiell und gegen seinen Willen von Produktionsmitteln abhängig zu sein, obwohl er als Künstler selbst keine Gewinnerzielungsabsicht haben will, spricht aus diesen Worten. Chris Corner war übrigens früher Sänger der amerikanischen Superstars Sneaker Pimps. Jetzt muss er sehen, wie er zurechtkommt.

Nur weil ich als Independent-Musikwirtschaftsvertreter postuliere, dass anspruchsvolle Kultur Produktionsmittel zum Existieren braucht, schließt es nicht gleichzeitig aus, dass ich selber meine Arbeit aus Leidenschaft ausübe. Aber wir alle müssen endlich lernen, zwischen übermäßiger Kommerzialisierung und notwendiger Unterstützung von Kulturgütern zu differenzieren.

Es sind immer wieder Teilnehmer aus dem Wissenschaftsbetrieb, aus staatlich finanzierten Instituten, oder aus dem öffentlichen Rundfunk, denen die Grundbegriffe ökonomischer Zusammenhänge vollkommen fremd zu sein scheinen. Sie erkennen selbst nicht, dass Meritorik im Wissenschafts- und Kulturbetrieb die notwendige Ausnahme ist, und nicht die erstrebenswerte Regel in einer bereits kritisch belasteten Wirtschaftsgesellschaft.

Sie verkennen, dass das Verhältnis von Inspiration und Eigenleistung im Kulturbetrieb oftmals reziprok proportional zum Wissenschaftsbetrieb verläuft. Sie tun so, als wäre die Debatte um Schöpfungshöhe und Exklusivität nicht schon längst geführt worden. Sie klammern die letzten 150 Jahre, in denen das Urheberrecht uns ein Füllhorn kultureller Güter beschert hat, in ihren kulturwissenschaftlichen Abrissen bewusst aus. Sie tun so, als wären die kulturwissenschaftlichen und ökonomischen Erkenntnisse der letzen Jahrhunderte im Wuchern des gesellschaftlichen Raums Internet wie unnötiger Ballast über Bord zu werfen.

Sie behaupten, Verwerter würden den Zugriff auf Inhalte per se verhindern wollen, wobei wir alle doch nur eine faire Bezahlung für die Leistung unserer Kreativen und uns selbst erreichen wollen. Sie tun so, als wären die kreativen Mitarbeiter der Verwerter, die Lektoren, die A&Rs, die Redakteure lediglich Arbeiter in einem seelenlosen Industrie-Moloch. Sie reduzieren die Verwerterleistung auf maschinelle Herstellung und Vertrieb. Sie reduzieren die Kulturgüter auf den abwertendsten, herablassendsten und seelenlosesten Begriff für Kultur, den ich mir vorstellen kann: CONTENT.

Unsere perspektivische Entfernung könnte in der Tat kaum größer voneinander sein. Es ist wahrscheinlich die kollektive Schuld der Kreativwirtschaft, dass Sie ihrerseits zu wenig tut, um diese Verständniskluft, diese unheilvolle Blase aus Netzkulturmythen zu entkräften. Das ändert trotzdem wenig daran, dass Ihre Annahmen faktisch falsch sind, basierend auf Gerüchten und Spekulationen von im Internet gerne produzierten Anekdoten, die uns Ausnahmen wie Radiohead und Nine Inch Nails als neue allgemeingültige Regeln verkaufen wollen.

Wir wollten versuchen, diese Verständnisbarrieren im Sigint-Panel exemplarisch abzubauen. Wir sehen uns jedoch Positionen gegenüber, die nur ihre eigene Perspektive in dieser Diskussion gelten lassen wollen, und sich auch nicht davor scheuen, Ergebnisse revisionistisch umzudeuten. DIESER Versuch ist glücklicherweise grandios gescheitert.

Stefan Herwig ist Betreiber eines Independent-Labels, Kommunikationswissenschaftler und Befürworter eines offeneren Dialogs zwischen Netzkultur und Kreativwirtschaft.

Die knappste Ressource in der Urheberrechts-Debatte ist: Eine gemeinsame Perspektive on CARTA | 5 comments

Als die Europäer nach Amerika kamen und dort auf Ureinwohner mit anderen Sitten und Gebräuchen, anderen Formen von Gesellschaft und Ackerbau stießen, versuchte man diese entweder zu christianisieren oder zu eliminieren. Die Durchsetzung der eigenen Regel und Kultur gegenüber Dritten galt als Segen, selbst wenn sie für diese todbringend war. Nur eine winzige Minderheit der weißen Eindringlinge beschäftigte sich mit ihrem ökologisch-holistischen Weltbild und dem daraus resultierenden Umgang mit Flora und Fauna, versuchte es zu verstehen und davon zu lernen.

Als die Hippies sich lange Haare wachsen ließen, freie Liebe machten und dabei bewusstseinserweiternde Drogen nahmen, verfolgte man erstmal vehement den Konsum. Ziel war, das existente Recht bei ihnen durchzusetzen um den jungen Menschen so den Weg zurück in die Gesellschaft zu weisen. Nur eine Minderheit von Intellektuellen fragte sich, in wie weit diese Bewegung zur gesamtgesellschaftlichen Erneuerung beitragen könnte, was man von ihren Werten lernen könne. Letztlich fühlte diese Ignoranz des Establishments zu Frustration und schließlich zu Gewalt auf beiden Seiten.

Der Publizist Peter Glaser bezeichnete das Internet unlängst als den Achten Kontinent. Nachdem dieser lange von der analogen Welt ignoriert wurde, dringen nun ihre Siedler in Massen ein, so wie es die westlichen Zivilisationen über 200 Jahre nach deren Entdeckung in die Weiten Nordamerikas zogen. Sie bringen Recht und Ordnung aus ihrer Welt mit und wollen es hier durchsetzen. Die einen fühlen sich bedroht von der Anarchie, die dort herrscht, andere wittern gigantische Chance und Gewinne. Viele aus Politik und Wirtschaft treibt beides bei ihrem Eroberungs-Feldzug im Netz an.

Man kann in dem Digital Native aber auch den neuen Hippie entdecken: „Die haben schon eine merkwürdige Moral“, wusste ein Journalist der Zeit im Rahmen des politischen Symposiums „Recht 2.0“ zu berichten. Unerschrocken hatte er sich zuvor auf die „Hackermesse“ re:publica getraut. „Man fällt auf, die akzeptieren kaum einen über 30.“ Der Vergleich mit einer Jugendbewegung schmeichelt, aber er beruht auf dem weitverbreiteten Missverständnis, dass jeder Irokesen-Haarschnitt auch einen jugendlichen Körper unter sich hat.

Konfrontiert mit dem Neuen, dem Fremden und dem Revolutionären, also mit alle dem, was anders ist, sitzt der Schlagstock seit eh und je lockerer oder ist der Finger sogar schneller am Abzug. Wer den vermeintlichen Gegner nicht wirklich kennt schlägt härter zu – und sei’s aus Angst. Für tote Indianer gab es bis 1890 in Mexiko und Amerika noch mancherorts Skalpprämien, Spaßguerillas des „Zentralrat der umherschweifenden Haschrebellen“ wurden beim Versuch, Polizeiautos Zweck zu entfremden, in Berlin erschossen, Friedensdemonstranten auf dem Hamburger Heiligengeistfeld fast einen ganzen Tag eingekesselt und gedemütigt. Angesichts der unverstandenen Kulturen verliert sich Verhältnismäßigkeit.

Im Internet gelten auch härtere Regeln als in der wirklichen Welt, zumindest dann, wenn es nach dem Willen der Player des analogen Marktes geht. Die Musikwirtschaft war als erstes mit dem Tun der neuen, digitalen Gemeinschaft konfrontiert. Die Datenmenge ihres Gutes (Musik) war gering, eine vernünftige Kompressionstechnologie mit MP3 verfügbar. 1998 entstand deshalb mit Napster das erste umfangreiche Angebot, welches sich ihrer Logik und Kontrolle entzog. Statt diesem etwas entgegen zu setzen, was die endlosen Möglichkeiten des digitalen Marktes nutzt, wurde auf Durchsetzung des analogen Rechts gedrängt. Die Musikindustrie feiert Frankreich und Großbritannien, wo nach dreimaligem Missbrauch der Nutzer gänzlich aus dem Netz vertrieben werden soll. „Three-Strikes-Out“ heißt das Modell, was so funktioniert, als dürfe jemand der CDs klaut nie wieder irgendeinen Laden betreten.

Wer jedoch ein legales Angebot im Netz aufbauen will, sieht sich mit Behinderungen konfrontiert, die es im analogen Markt nicht gibt. Für Downloadshops muss man Vorschüsse in Höhe von 10.000 und mehr pro Major bezahlen. Wer hingegen einen ganz normalen Plattenladen eröffnen willen, muss bestenfalls seine Kreditwürdigkeit beweisen um beliefert zu werden. Ähnlich verhält es sich bei dem Umgang mit digitalen Medien: Zu Recht beklagen die Plattenfirmen, dass Radios meist nur bereits etablierte Hits spielen und im Fernsehen Newcomer so gut wie keine Chance haben. Will man das aber ändern und einen alternativen Videokanal im Netz anbieten, wird das Geschäftsmodell torpediert. Statt moderate Anteile der Werbeerlöse an GEMA und GVL zu zahlen, sollen plötzlich Beteiligungen von bis zu 50% gezahlt werden. Gerne auch mit Garantien vorab. Die Anlieferung der Ware wird zudem digital absurderweise teurer, als sie physisch war. Schweizer Independent-Radiostationen, welche die sogenannten MPN Gebühren nicht mehr zahlen konnten, wurde deshalb gerade von den Majors die Zusammenarbeit aufgekündigt.

Nicht nur in der Wirtschaft gilt aber, dass die Netzwelt härter anzufassen ist als die analoge Realität. Der Bundesgerichtshof hat diese Woche bestätigt, dass derjenige für den Missbrauch haftet, der sein W-LAN nicht ausreichend sichert. Wird über diesen, wie im Fall des Beklagten geschehen, von Dritten illegal downgeloaded, haftet der Inhaber des Anschlusses. Analog betrachtet wäre das so, als würde der Besitzer eines Telefons haften, wenn er es einem Freund leiht und dieser Telefonterror verbreitet oder seine Gesprächsteilnehmer beleidigt. Es ist so, als wäre derjenige für einen Unfall verantwortlich, der im Sinne von Carsharing seinem Wohnblock das Gefährt zur Verfügung stellt…

Urteile wie das des BGH, oder ein Marktverhalten wie das der Musikwirtschaft zeigen, dass die Verhältnismäßigkeit aus den Fugen gerät, wenn Richter und Manager über etwas entscheiden, was sie bestenfalls intellektuell, aber nicht emotional begriffen haben. Es soll geregelt und verhindert werden, anstatt die neuen Möglichkeiten zu nutzen, die im Netz entstehen. Die Logik und Moral einer alten Welt wird der neuen übergetopft, deren eigene Werte und Errungenschaften werden ignoriert. Damit vergibt man Chancen.

Selbstregulierung ist eine solche. In Form von Wikipedia kann man das wahrscheinlich jedem verdeutlichen. Deshalb wird dieses Beispiel auch immer wieder bemüht. Im Sinne des Vergleichs mit einer Jugendbewegung hat Wikipedia deshalb die Rolle der Beatles: Die Plattform ist Mainstream, aber deshalb ein wichtiges Element für alle, um zu verstehen, worum es in Sachen Netzkultur vielleicht geht. So wie die Beatles halfen, mit häufig bei Johann Sebastian Bach entlehnten Harmoniefolgen den Rock’n’Roll zu vermitteln, kann der gelernte, enzyklopädische Gedanke vielleicht die Brücke zur Schwarmintelligenz sein und helfen, die notorische Angst vor dem Neuen, dem Unregulierbaren zu nehmen.

Sobald die analoge Welt Wikipedia als Regel und nicht als Ausnahme versteht, könnte dies gelingen. Hoffentlich dauert das nicht so lange, dass Marktführer, Legislative und Exekutive schon die ein oder andere Skalpprämie zur Praxis oder Gesetz gemacht und die fröhlichen Internet-Hippies von einst in den Untergrund getrieben haben…

Dieser Text von Tim Renner erscheint auch im Motorblog.

Eroberungsfeldzug im achten Kontinent: Skalpprämien im Internet on CARTA | 4 comments

Eindrucksvolles Beispiel: Man brauchte nur zwei große Puppen am Tag der Deutschen Einheit durch die Stadt wanken lassen und Millionen kamen und guckten. Wie viel Spaß der Drang der Berliner zum Feiern und Teilhaben machen kann, wurde der ganzen Welt spätestens während der WM 2006 durch eindringliche Bilder von der Fanmeile vorm Brandenburgertor bewusst. Seitdem boomt Berlin als Reiseziel derjenigen, die mitmachen wollen.

Wenn Berlin in der Vergangenheit eins fehlte, dann war das hingegen Solidarität. Die Massen kamen miteinander, die Veranstalter agierten gegeneinander. Als man geteilt war, gab es viel zu verteilen. Beide Seiten der Stadt wurden schließlich mit öffentlichen Mitteln ordentlich gefördert. Der eine gönnte dann dem anderen den Publikumszuspruch nicht, denn der könnte ja im nächsten Jahr seine Mittel bekommen. Die Loveparade war ein perfektes Beispiel. Statt das Event zu modernisieren und zu retten, wurden ihm von potentiellen Partnern und der städtischen Verwaltung immer mehr Steine in den Weg gelegt. Irgendwann war es dann Weg und schließlich überflüssig.

Das könnte heutzutage nicht mehr passieren. Die Stadt ist pleite und das befriedet sie ungemein. Da es nichts mehr geschenkt gibt, hat man gelernt, dass nur Zusammenhalt hilft, wenn man etwas bewegen und/oder Geld verdienen will. Die Galerien und Museen haben es vorgemacht. Dass Berlin die Hauptstadt der Künste ist, war bekannt. 2005 arbeiteten erstmals die Mehrheit der auf der Biennale di Venezia gezeigten Maler und Bildhauer in den Ateliers der Stadt. Was fehlte, waren die Käufer ihrer Werke. Egal ob Underground oder etabliert, man kann nicht auf den Nachbarn als Kunden setzen, sondern muss ihn von außerhalb anlocken.

Diese Einsicht aller Beteiligten, ließ das Gallery Weekend entstehen. Zum sechsten Mal zeigen alle Galerien ihre „Frühjahrskollektion“ und lassen dafür ihre Häuser sowohl im noblen Zehlendorf als auch im toughen Neukölln vom Donnerstag bis kommenden Montag durchgängig für Touristen und Einheimische offen.

Ganz so einfach geht das nicht in allen Bereichen der Kreativwirtschaft. Bei uns – im Feld der Pop-Musik – fehlt noch das Event, das die ganze Stadt mobilisiert. Die Popkomm hätte es sein sollen. In Köln brachte sie in ihren guten Tagen die Messehallen zum brummen und die Stadt im Rahmen des Ringfests zum Feiern. Als sie nach Berlin geholt wurde, waren die Musikindustrie und ihre Messe schon stark geschwächt. Mit dem Internet droht ihr altes Geschäftsmodell zu verschwinden. Die Messehallen draußen im Westend wurden ein Sterbehospiz einer ehemals stolzen Branche, da die Veranstalter keine neuen Themen fanden. Die Stadt bekam von dem Treiben nur noch in Form einiger obskurer Konzerte mit: Das Exportbüro ließ wilde Finnen durchs „White Trash“ toben. Im letzten Jahr gab man dann schließlich auf. Die Popkomm wurde abgesagt.

Am kommenden Montag, den 03.05., soll im Rahmen einer Pressekonferenz verkündet werden, dass sich alle zusammengerauft haben und Berlin wieder ein gemeinsames Musik-Event bekommt. Die Messe vergisst ihre alten Hallen und vermietet dafür im Flughafen Tempelhof Flächen für eine neue Popkomm. Die All2gethernow (kurz a2n) vergisst, dass sie von neuartigen Musikunternehmen wie uns zusammen mit Vertretern der Open-Source-Szene gegründet wurde, um eine Antwort auf das Ende der Popkomm zu sein. Stattdessen werden wir vor Ort die Themen setzen und diese vorab in Barcamps zugespitzt haben. Die Kollegen vom intro werden die Hangars und Außenflächen von Tempelhof nutzen, um dort beim Berlin Festival die Elite der Elektronischen Musik (von LCD Soundsystem bis Fever Ray) aufspielen zu lassen. In der selben Woche werden Berlin Music Commission und Club Commission dafür sorgen, dass auch anderorts in der Stadt die Bühnen ein außergewöhnliches Programm bekommen.

Die einen wollen Flächen verkaufen, die anderen Themen setzen und die dritten Musik aufführen. Fürs eine braucht es Quantität (nur mit vielen Besuchern lassen sich gute Standpreise erzielen), fürs andere Qualität (nur mit interessanten Besuchern kann man neue Erkenntnisse gewinnen) und Konzerte und Festival brauchen beides. Eine Einigung über Inhalte und Kosten (und somit Eintrittspreise) ist somit nicht leicht. Es wäre aber fahrlässig, wenn sich nicht alle bemühen würden.

Eine gemeinsame Berlin Music Week liegt auf der Hand. Die Welt guckt auf Berlin, wenn sie Deutschland meint und die Hauptstädter sind zu allem bereit, wenn es ums Feiern geht. Deshalb wird hier vom 06. bis zum 12. September um die Zukunft der Musik gerungen und sie dann auch reichlich genossen: „Keine Feier ohne Meier!“

Dieser Text von Tim Renner erscheint auch im Motorblog.

Berliner, hört die Signale der Berlin Music Week on CARTA | 3 comments

Die Dienstleistungsgewerkschaft ver.di lädt zum Welttag des geistigen Eigentums – Montag, dem 26. April 2010 – zusammen mit dem Verband Privater Rundfunk und Telemedien (VPRT), dem Bundesverband Musikindustrie (BMVI), dem Verband Deutscher Drehbuchautoren (VDD), der Spitzenorganisation der Filmwirtschaft (SPIO) und dem Börsenverein des Deutschen Buchhandels unter dem Titel „Diebstahl geistigen Eigentum im Netz: 5 vor 12 für die Kreativwirtschaft“ zu einer Pressekonferenz. Sie beginnt bezeichnender Weise um 11:55 Uhr und erfolgt unter Berufung auf die im März 2010 vorgelegte TERA-Studie. Dieser Untersuchung zufolge hat der illegale Download von urheberrechtlich geschützten Werken (Film, Musik, Software, TV-Serien) im Jahre 2008 in Deutschland einen Schaden von 1,2 Mrd. Euro verursacht und damit 34.000 Arbeitsplätze gekostet.

Die von Medienindustrie und ver.di herangezogene Studie wurde von der Anti-Piraterie-Lobbyinitiative Business Action to Stop Counterfeiting and Piracy (BASCAP) der Internationalen Handelskammer (ICC) in Auftrag gegeben und von der Unternehmensberatung TERA Consultants erstellt. Sie erschien zeitgleich in fünf Sprachen – Englisch, Französisch, Italienisch, Spanisch, Deutsch – und trägt in der deutschen Fassung den Titel „Aufbau einer digitalen Wirtschaft: Die Bedeutung der Sicherung von Arbeitsplätzen in der Kreativwirtschaft der Europäischen Union“. Behauptet wird für die EU insgesamt (EU 27) ein auf Piraterie zurückzuführender Umsatzverlust in 2008 von 10 Mrd. Euro und ein kumulierter Beschäftigungsabbau von 186.600 Arbeitsplätzen. Darüber hinaus wird dargelegt, dass die Umsatzverluste bis 2015 ohne nachhaltige Beschränkung der Piraterie auf 32–56 Mrd. Euro anstiegen und einen Beschäftigungsabbau von 611.300–1.216.800 Arbeitsplätzen bewirkten.

Die Angaben der Studie sind allerdings keineswegs als valide zu bezeichnen. Einer vorherigen wissenschaftlichen Überprüfung in einem Peer-Review-Verfahren wurden sie nicht unterzogen Der US-amerikanische Kommunikationswissenschaftler Joe Karaganis weist zudem auf dem Blog Data Drip darauf hin, dass die Untersuchung zwei Grundfehler begehe: Einerseits sei der Verlust eines Industriesektors nicht automatisch ein gesamtwirtschaftlicher, die durch Filesharing eingesparten Einkommen der Konsumenten würden an anderer Stelle ausgegeben. Anderseits würden die Umsatzverluste und negativen Beschäftigungseffekte infolge Piraterie allein der europäischen Kreativwirtschaft angelastet, tatsächlich aber fielen sie zum überwiegenden Teil allenfalls bei US-Unternehmen an. Denn: Hollywood-Produktionen beherrschten in etwa 80 Prozent des Filmmarktes in der EU, im Software- und Musikbereich sehe es ähnlich aus.

Pikant ist auch Karaganis’ Hinweis auf die in der TERA-Studie adaptierte Untersuchungsmethode. Sie stammt von Stephen E. Siwek und wurde von diesem zuvor in mehreren Untersuchungen über die negativen Beschäftigungsauswirkungen von Internetpiraterie im Auftrag der Motion Picture of America (MPAA), der Recording Industry Association of America (RIA) und der Entertainment Software Association (ESA) angewandt. Um die vermeintlichen Jobverluste zu berechnen, werden die Umsatzverluste der Medienindustrie auf Basis der von diesen gemeldeten Urheberrechtsverletzungen hochgerechnet, durch das Durchschnittseinkommen in den Creative Industries dividiert und unter Berücksichtung der Zulieferindustrie mit dem Faktor zwei multipliziert.

Die TERA-Studie wurde am 17. März 2010 in Brüssel der Presse präsentiert und anschließend Mitgliedern des Europäischen Parlaments und der EU-Kommission vorgestellt. Ziel ist es, eine länderübergreifende Zusammenarbeit der Regierungen beim Kampf gegen Internetpiraterie zu erreichen und ein international sanktioniertes Urheberechtsregime im Netz zu etablieren. Die multinational agierende Medienindustrie hat dazu ein Bündnis aus Arbeitnehmer- und Arbeitgeberverbänden geschmiedet. Die Studie wird von den großen Gewerkschaften der Kreativindustrie wie dem Union Network International-Media Entertainment Industries (UNI-MEI), das nach Eigenangaben 120 Gewerkschaften und Fachverbände mit weltweit 250.000 Beschäftigten aus den Bereichen Medien, Unterhaltung und Kunst vertritt und dem in Deutschland über den Gewerkschaftsdachverband UNI auch ver.di angehört, oder der internationalen Künstlergewerkschaft International Actors Federation (FIA), der ver.di ebenfalls angehört, unterstützt. Ebenso wird die Studie von Arbeitgeberverbänden wie der International Federation of Film Producers’ Associations (FIAPF) und der European Coordination of Independent TV Producers (CEPI) mitgetragen. (Siehe hierzu die Pressemitteilungen von BASCAP, UNI-MEI und FIA.)

Die Dienstleistungsgewerkschaft ver.di – oder ihre Spitze – hat sich nun offenbar entschlossen, diesem Bündnis beizutreten. Nachdem es zuletzt in Großbritannien (Digitale Linke berichteten unter maßgeblicher Mitwirkung der Creative Coalition Campaign gelang, das Modell einer „providergestützten Urheberrechtsdurchsetzung im Netz“ (Robin Meyer-Lucht) zu errichten, sollen nun auch hierzulande ähnliche Pläne verfolgt und eine Koalition der Gewerkschafts- und Unternehmensverbände geschmiedet werden. Dabei dürfte ver.di bekannt sein, dass die neuen Bündnispartner allesamt Sanktionsmaßnahmen um jeden Preis im Falle von Urheberrechtsverletzungen im Internet einfordern. Will die Gewerkschaft tatsächlich mit diesen den Weg von Überwachen und Strafen – der totalen Kontrolle des Netzes einschließlich Graduated Response, Netz- und Zugangssperren – gehen und sich damit in einem zentralen Bereich von Wirtschaft und Gesellschaft im Digitalzeitalter für Jahre politikunfähig machen?

Crosspost von Digitale Linke.

Medienindustrie holt ver.di ins Boot: Creative Coalition Campaign jetzt auch in Deutschland? on CARTA | 5 comments

Völlig anders zuvor bei der Pressekonferenz des Bundesverbandes Musikindustrie. Angespannt und angriffslustig tritt deren Geschäftsführer Stefan Michalk vor die Medienvertreter. Dass er ein Mensch ist, der auch eher zum Lachen denn zum Greinen neigt, davon merkt man nichts mehr, sagt später ein Teilnehmer. Dabei will er gute Nachrichten verkünden. Alles im Griff auf dem sinkenden Schiff: die Musikindustrie hat sich im Krisenjahr 2009 gut behauptet, der Gesamtumsatz betrage jetzt 1,803 Milliarden und mehr als ein Drittel davon kommt aus dem Internet. Die Branche hat’s geschafft, 2011 gibt’s dann einen richtigen Turnaround.

Wer die Zahlen kennt, staunt. Im Vorjahr sprach man noch von 1,582 Milliarden Umsatz und dabei stammten nur 6 Prozet aus Downloads von Songs und Alben. Zur rasanten Entwicklung kommt es aber leider nicht ob der Entwicklung des Marktes, sondern ob der eigenwilligen Verdichtung der Zahlen: Ähnlich wie plötzlich ab 2004 DVDs in den Umsatz der Musikindustrie eingerechnet wurden, um zu verschleiern, dass deren Kernumsatz sich binnen 5 Jahren halbiert hatte, kommen nun plötzlich Erlöse aus Merchandise, Management, Aufführung und Lizenzgeschäften hinzu. Wenn Michalk sich über die Entwicklung im Internet freut, dann deshalb, weil man plötzlich jede Interaktion – also auch die bei Amazon und Co gekauften Platten – zu einer Zahl verdichtet und mit Downloads gleichsetzt.

Mit der Wirklichkeit hat das leider nichts zu tun: Das Geschäft ist weiterhin rückläufig (aktuell minus 3,3 Prozent auf 1,530 Millionen Musikumsatz inklusive DVDs und Klingeltönen), der Downloadmarkt deutlich unterentwickelt (8 Prozent ohne Klingeltöne, aber Streams und Abos inklusive). Ein Grund dafür könnten die Preise sein. Der Verband wehrt sich auch gegen dieses Argument. Seit Einführung der CD sei deren Preis eher rückläufig, so die ofizielle Position. Stolz verweist man auf einen Anstieg der verkauften Stückzahlen im letzten Jahr (145,1 Millionen auf 147,3 Millionen). Man vergisst aber zu erwähnen, dass der Umsatz der CDs zugleich um 6 Prozent gesunken ist. Steigende Stückzahlen, bei geringerem Umsatz = Preisverfall.

Wieso schlägt Michalk all diese merkwürdigen Volten während Heker souverän sagt was Sache ist? Die Antwort liegt darin begründet, dass der Kollege von der GEMA die sehr viel komfortablere Ausgangsposition hat. Während er und seine Verwertungsgesellschaft auf einem Vergütungsmodell basieren, welches sich naturgemäß aus den unterschiedlichsten Quellen speist, muss Michalk einen Verband erklären, der sein angestammtes Geschäftsmodell, den Verkauf von Tonträgern, zu verlieren droht. Michalks Mitgliedsfirmen im Bundesverband Musikindustrie (vorrangig die Majors) müssen sich vorwerfen lassen, dass sie als Produzenten den Markt gestalten, während die Verwertungsgesellschaft mit Gebühren nur auf diesen reagieren kann.

Stefan Michalk muss einen Mangel an Konsequenz seiner Mitgliedsfirmen ausbaden. Entweder begreifen diese sich nicht mehr als Tonträgerunternehmen und wandeln ihren Verband durch Öffnung deshalb unter Einschluss von Merchandisern, Konzertveranstalter und Musikverleger wirklich zu einer Vertretung der gesamten Musikindustrie, oder die großen Labels bleiben wie bisher unter sich und zeigen als Verband ihren Kernmarkt: Den Umsatz mit Pre-recorded Music. Beides würde aber zu einem Verlust des Gewichts der Majors führen. Einen Gesamtverband würden sie nicht mehr dominieren, eine Konzentration auf den Kernmarkt ihr Dilemma in der Wahrnehmung forcieren. Eine Mischung aus beiden ist jedoch unlogisch und unklar. Verbände bilden gemeinhin Märkte ab, aber nicht die Umsatzentwicklung ihrer Mitgliedsfirmen.

Dem Markt würde sowohl der eine, als auch der andere Weg gut tun. Begreifen sich die Majors als einfacher Bestandteil eines großen Gesamtmarktes, könnten sie eher offen sein für Lösungen, die jenseits angestammter Vergütungsmodelle liegen. Konzentrierten sie sich hingegen auf den Teilmarkt, würde man dessen Entwicklung durch Preis (CD) und Angebot (Download) weit aggressiver steuern. Die Logik des halben Umbruchs erschließt sich nicht, macht zudem die vorgetragenen Zahlen schwächer und die Argumentationsgrundlage der Produzenten wackelig. Ein neues, konsequentes Selbstverständnis als Marktteilnehmer in dem einen oder dem anderen Sinne wäre wünschenswert und könnte dazu führen, dass nicht nur Heker, sondern auch Michalk wieder lächeln kann.

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Zahlenspiele schöngerechnet: Plädoyer für ein neues Selbstverständnis der Musikindustrie on CARTA | 6 comments

Als eine “konsequente Weiterführung” der heutigen urheberrechtlichen Praxis, sei die Flatrate, wie unter anderem Malte Spitz und Konstantin von Notz ihrer Stellungnahme schreiben: “lediglich ein Mittel der regulativen Anpassung an die technischen Gegebenheiten des 21. Jahrhunderts”. Es gäbe zwar “noch kein fertiges Modell”, aber das neue Pauschalvergütungssystem sei ganz sicher “angemessen”. Die Einlassungen der Musikindustrieverbandes seien hingegen “recht unausgegoren”, “unsachlich und haltlos”.

Die Stellungnahme ist eine Frontal-Zurückweisung der Einwände der Musikindustrie. Zehn Thesen hatte die Musikindustrie. Zehn Erwiderungen haben die Autoren – in keinem Punkt teilen sie die Gegenargumente auch nur teilweise. Hier wiederholt sich das Spiel, das bereits bei den 16 Fragen der Buchbranche zu beobachten war – 100 Prozent Zurückweisung: Es steht jetzt 10:0 – nach zuvor 16:0.

Bemerkenswert ist dabei nicht so sehr, dass die grüne Entgegnung auf die Einzelargumente nicht in jedem Detail überzeugt. Bemerkenswert ist vor allem das Gesamtphänomen eines Kulturflatrate-Fundamentalismus, das sich hier abzeichnet. Eine politische Idee soll augenscheinlich rein gehalten werden von allen Zweifeln an den Details. Die Kulturflatrate erscheint wie ein mythisches Fernziel, wie ein entrücktes Paradies immer sprudelnder Musikquellen. Der Götze Kulturflatrate soll gar nicht beschmutzt werden. Er soll als Phantom möglichst lange weiterexistieren.

Warum ist das so? Meine Theorie: Die Kulturflatrate ist gar keine realpolitische Maßnahme, sondern eine politische Waffe.

Die Kulturflatrate erscheint wie ein mythisches Fernziel, wie ein entrücktes Paradies immer sprudelnder Musikquellen.

Die Kulturflatrate wurde demnach gar nicht erfunden, um jemals Realität zu werden. Sie wurde erfunden, um möglichst lange an dem nutzerfreundlichen Mythos festzuhalten, dass sich eine Kulturindustrie auf Basis von Tauschbörsen organisieren ließe. Die Nutzung von Tauschbörsen erscheint vor diesem Hintergrund als soziale Praxis, die gerade noch nicht legalisiert wurde, weil sich die Industrie noch sperrt. Mit der Kulturflatrate lässt sich ein Schwarzweiß-Schema inszenieren, bei dem die Nutzer zukunftsgewandt und technologiefreundlich erscheinen, die Kulturindustrie hingegen unflexibel und kundenfeindlich. Der Ansatz stellt nichts weniger dar, als ein politisch flankiertes Rent-seeking von Filesharing-Freunden.

Die Kulturflatrate ist so gesehen ein Stück Klientelpolitik für Tauschbörsennutzer, ein Stück netzpolitischer Populismus.

Genau hierin liegt die Inflexibilität der Diskurses um die Kulturflatrate begründet. Eine differenzierte Debatte würde der Kulturflatrate ihren populistischen Glanz nehmen. Es würde sich zeigen: Das Ziel einer Legalisierung der Tauschbörsennutzung wäre zwar zu erreichen – aber nur mit dem Kollateralschaden eines Vergütungssytems von zweifelhafter Qualität.

Doch die Befürworter wollen sich ihre radikal filesharerfreundliche Vision nicht kaputtmachen lassen – und betreiben eine Vogel-Strauß-Debatte, die die Kollateralschäden kurzerhand negiert.

Der Hauptunterschied zwischen Flatrate-Fürsprechern und -Skeptikern liegt höchwahrscheinlich in der Gewichtung der Pole Legalisierung der Tauschbörsen auf der einen und Schaffung eines glaubhaft zielführenden Vergütungssystems auf der anderen Seite.

Bei dem erneuten Schlagabtausch wird deutlich, dass die Autoren der grünen Stellungnahme nicht nur eher auf der Seite des Nutzerpols sind – sondern sich vor allem auch bei den Auswirkungen und der Tragweite der Kulturflatrate ganz erheblich verschätzen:

1. Sie unterschätzen die Tragweite der Umstellung.

Sie verweisen darauf, dass es bei der Kulturflatrate lediglich um die “nicht-kommerzielle” Nutzung von Musik gehe. Daneben könnte es weiter eine kommerzielle Musikindustrie geben, die Mehrwertangebote mache. Doch wer will ernsthaft glauben, dass – wenn alle alles tauschen dürfen – daneben noch ein relevanter kommerzieller Online-Vertriebsmarkt bestehen wird? Die Kulturindustrie vertreibt ihre Inhalte nun einmal zum Großteil an Endkonsumenten. Der Verweis auf “nicht-kommerzielle Nutzung” wird der Tragweite nicht gerecht und verniedlicht die Angelegenheit. Höchstwahrscheinlich würde in Zukunft ein Löwenanteil der Vergütungen von Urhebern über die Flatrate-Verwertungsgesellschaft verteilt.

2. Sie unterschätzen die Schwierigkeit, die Koordinierungseffekte eines Kulturmarktes auch nur halbwegs in einer Verwertungsgesellschaft abzubilden.

Die bestehenden Kulturmärkte haben ihre Macken – aber sie organisieren ein bestimmtes Wissen: Mit welchen Preisen und welchen Produktausprägungen entsteht ein nutzeradäquates, effizientes und innovatives Angebot? Mit der Kulturflatrate würde diese Koordinierungsfunktion vornehmlich Verwertungsgesellschaften zufallen. Nach den bisherigen Erfahrungen, kann man skeptisch sein, ob ihnen dies annähernd befriedigend gelingt.

3. Sie überschätzen die Legalisierungseffekte einer Kulturflatrate.

Die Kulturflatrate verspricht lediglich, das Urheberrechtsproblem im Zusammenhang mit unkommerziellen Tauschbörsen zu lösen. Doch was ist mit kommerziell betriebenen Tauschbörsen? Was ist mit kommerziellen Filehostern? Was ist den kommerziellen Film-Streamingsites, die illegale Inhalte anbieten? Die Kulturflatrate würde nur Teile der bislang illegalen Nutzung urheberrechtlich geschützter Werke im Internet legalisieren.

4. Sie unterschätzen, wie weitgehend in die Freiheitsrechte der Urheber eingegriffen würde.

Die Kulturflatrate sei keine “Verstaatlichung der Kreativwirtschaft”. Das ist nur teilweise richtig. Den Grünen schwebt bei der Kulturflatrate eine “gesetzliche Lizenz” vor. Den Urhebern würden zentrale Vergütungsansprüche im Online-Vertrieb ohne Widerspruchsrecht abgenommen werden – im Tausch gegen einen staatlich garantierten Vergütungsanspruch. Erhebliche Teile der Umsätze der Kulturindustrie würden so zwar nicht verstaatlicht, aber zentralisiert und zwangsvergesellschaftet – in Verwertungsgesellschaften. Dies stellt einen erheblichen Eingriff etwa in die Grundrechte nach Artikel 5 (Meinungs- und Kunstfreiheit) und Artikel 12 (Berufsfreiheit) des Grundgesetzes dar. Dies würde zu einer massiven Gegenwehr und zahlreichen Klagen führen.

5. Sie überschätzen, wie verbreitet die Tauschbörsennutzung eigentlich ist.

In der Stellungnahme wird fälschlicherweise zitiert, es gäbe laut Brenner-Studie mehr als 10 Millionen Nutzer. Tatsächlich sind es 3,8 Millionen und damit lediglich rund 10 Prozent der Internetnutzer. Die Annahme, fast alle Onliner würden Tauschbörsen nutzen, erweist sich möglicherweise als Fiktion. So wäre die Kulturflatrate auch eine Abgabe, die alle zahlen, obwohl nur ein kleiner Teil die Angebote auch tatsächlich nutzt.

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Die Debatte um eine Kulturflatrate fordert folglich mehr Realismus, mehr Ehrlichkeit und weniger Populismus. In ihrer jetzigen Form erstarrt sie in einer identitätsstiftenden Fiktion, die blind ist für die Kollateralschäden.

Im Zuge einer differenzierten Debatte könnte sich zeigen, dass branchenspezifische und freiwillige Flatrates ein sehr spannendes Modell darstellen. Denn Flatrate-Ansätze sind in der Tat sehr internetadäquat und setzen sehr gut auf die Informationsökonomie des Netzes auf. Die Online-Kulturindustrie bewegt sich bekanntermaßen viel zu langsam und viel zu protektionistisch in Richtung solcher Modelle, die eine echte Alternative zu illegalen Download-Angeboten wären.

Bevor man also den Urhebern weite Teile ihrer Online-Rechte mittels staatlich verordneter Pflichtlizenz abnimmt, sollte man vielleicht noch zwei, drei Versuche starten, die Kulturindustrie hierzulande davon zu überzeugen, dass sie selbst die Lösung finden muss und kann.

Carta-Texte in diesem Zusammenhang:

• Robin Meyer-Lucht: Markt- oder Allmendewirtschaft: Worum es bei der Kulturflatrate eigentlich geht
• Wolfgang Michal: Warum wir die Kulturflatrate vielleicht doch noch brauchen
• Robin Meyer-Lucht: Trüpel: ‘Digital rights fair trade’ ist vielleicht die bessere Kulturflatrate

Lesetipp:

• Marcel Weiss: Kulturflatrate – Pro und Contra

Die Vogel-Strauß-Debatte um die Kulturflatrate on CARTA | 31 comments

Meiner Meinung nach begann der Untergang der Musikindustrie mit der CD. Das liegt nicht nur daran, dass die Langspielplatte, die sie ablösen sollte, so viel sinnlicher war als das kleine Stück Plastik/Aluminium-Gemisch. Das eigentliche Problem der CD war ihre hohe Profitabilität. Die Herstellung einer CD kostet weniger als die von Vinyl, die Preise wurden bei der Einführung aber verdoppelt. Verkauft wurde Anfangs hauptsächlich Katalog, also Aufnahmen welche die Plattenfirmen schon lange bezahlt und verbucht hatten. In der Konsequenz schossen die Margen durch die Decke. Musikwirtschaft wurde ein hoch profitables Geschäft und zog deshalb statt Freaks und Fans, Betriebswirte und Banker an.

Letztere optimieren das Geschäft nicht indem sie den Inhalt, sondern die Abläufe verbesserten. Im ersten Schritt taten sie das durch Synergie-Effekte. Ab Mitte der Achtziger – als beginnend mit dem Siegeszug der CD – wurden kleinteilige Strukturen, wie sie durch eine Vielzahl von Labels gegeben waren, im Sinne der Kosteneffizienz zu Konzernen zusammengefasst. Aus Polydor, Phonogram, Metronome, A&M, Def Jam, Motown und Island wurde zum Beispiel PolyGram und schließlich unter Hinzunahme von MCA die heutige Universal. Durch die Ballung spart man Personal und somit Fixkosten – und geringe Fixkosten sichern langfristig höhere Gewinne.

Große Strukturen führen jedoch zur Abstraktion: Wo früher ein verantwortlicher Labelmacher sein Programm mit seinen Künstler entwickelte, hatten diese es plötzlich oft mit Managern und mit häufig wechselnden Mitarbeitern zu tun. Diese redeten zunehmend nicht mehr von Künstlern sondern von „Themen“, statt Alben verkauften sie „Produkte“ und freuten sich über hohe „Stückzahlen“. Veröffentlichungen wurden „chartoptimiert“ und auf Compilations zweit- und drittverwertet. All das hatte wenig mit Rock’n'Roll, aber viel mit BWL und Mathematik zu tun. A&Rs fanden sich häufiger über Planzahlen, die es mindestens quartalsweise zu aktualisieren galt, denn bei den Künstlern im Studio.

Die Branche war sexy. Sie versprach Rendite um die 20% und einen Abend mit Madonna, ein Wochenende mit Robbie Williams oder zumindest einen Händedruck von Beyoncé. Wo früher Produzenten wie Chris Blackwell (Island), Musiker wie Alpert und Moss (A&M) oder Musikredakteure von Schülerzeitungen wie Richard Branson (Virgin) ihr Geld in Künstler und Labels investierten, waren es nun Wasserversorger wie Vivendi (Universal), Destillerie-Erben wie Edgar Bronftman (Warner) oder Investmentbanker wie Guy Hands und seine Terra Firma (EMI). Gerne ließen diese sich mit der jeweiligen Künstlerschar ablichten, sie wurden eine bunte Beigabe der Geschäftsberichte.

Versprochen wurde den Banken und Investoren der Aufkäufer ein ewiges Wachstum. Dieses sollte dann die Zinsen bedienen, mit denen die erworbenen Majors belastet worden waren. Außer in Form von Castingshows ist die Produktion von Musik aber leider nicht planbar. Künstler sind als Lieferanten nicht zuverlässig, wie Guy Hands mit Schrecken feststellen musste. In einem Schreiben an die Musiker der EMI ermahnte er diese deshalb zur regelmäßigen Abgabe von Alben. Tim Clark, der Manager von Robbie Williams, nannte das „Plantagenbesitzer-Mentalität“. – Williams sei nur ein beleidigter kleiner Junge, keulte Hands zurück.

Im Fall Hands/EMI wurde der Zusammenprall der Kulturen am deutlichsten. Künstler, die teilweise angetreten waren die Welt zu revolutionieren, trafen auf einen Kaufmann, der sein Geld mit Immobilienspekulation und Müllentsorgung gemacht hatte und auf einem ultrakonservativen Netzwerk basiert. Hands Trauzeuge und bester Freund ist Rechtspopulist William Hague, der mit seiner xenophoben „Foreign Land“-Rede im Jahr 2001 selbst konservative Parteifreunde entsetzte. Sätze wie „Talk about asylum and they call you racist; talk about your nation and they call you Little Englanders“ kosteten ihn den Vorsitz seiner Partei. EMI-Künstler wie Damon Albarn demonstrierten damals gegen ihn.

Mittlerweile ist es ruhiger um Guy Hands geworden. Einerseits ist er auf Steuerflucht auf Guernsey und kann deshalb gar nicht in England einreisen um bei EMI nach dem Rechten zu schauen, andererseits gibt es dort außer Zinsschulden, die aus dem operativen Geschäft nicht mehr bedient werden können, auch nicht mehr viel zu entdecken. Das Dilemma könnte er nur lösen, indem er den ganzen Apparat EMI auflöst (aktuell noch 5000 Mitarbeiter) und sich auf die Einnahmen aus dem existenten Katalog konzentriert. Das hätte dann jedoch nichts mehr mit Wachstum sondern nur noch mit Rückzug zu tun.

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EMI auf Rudis Resterampe: Was hat sie bloß so ruiniert? on CARTA | 7 comments

Dabei handelt es sich bei dem Phantom Kulturflatrate lediglich um die naheliegende Idee, reales Tun zu legalem Tun werden zu lassen. Ähnlich wie die Privatkopie – gebrannte CDs oder kopierte Kassetten – schon seit den 60er Jahren verbrieftes Recht eines jeden Bundesbürgers ist, soll im Rahmen der Kulturflatrate auch Filesharing vom Gesetzgeber legalisiert werden.

Eine pauschale Gebühr für die Urheber ist bereits heute bei CD-Rohlingen oder Brennern eingepreist. Leermedienabgabe nennt sich das und die damit generierten Millionen fließen über die GEMA in Richtung Autoren und mittels der GVL an die Produzenten und somit auch zu den Plattenfirmen. Analog dazu würde durch eine Kulturflatrate jeder Internetanschluss mit einer Pauschalabgabe für die genutzten Rechte belastet und die Einnahmen an die Rechteinhaber verteilt. Die Grünen sind größtenteils dafür, die Sozialdemokraten wollen das laut Parteiprogramm zumindest prüfen.

Die Verbände der Musikwirtschaft – egal ob groß oder klein, ob Indie oder Major – setzen bislang auf Verbote. Frankreich, wo Filesharer vom Internet abgeklemmt werden, sobald sie zum dritten Mal beim Download erwischt wurden, gilt als Vorbild. Verfassungsrechtlich ist das in Deutschland nicht durchsetzbar. Artikel 5 des Grundgesetzes, der jedem Bürger freien Zugang zu Informationen gewährleistet, steht dem entgegen.

Die schlauen Funktionäre des BMVI wissen das. Und das ist wahrscheinlich die eigentliche Botschaft dahinter, gerade jetzt aus heiterem Himmel einen Zehn-Punkte-Kanon gegen die Kulturflatrate zu veröffentlichen. Sie beklagen darin (Punkt 1), dass die Kulturflatrate auch von Bürgern bezahlt werden müsse, die sie vielleicht gar nicht nutzen würden. Sie stört (Punkt 3) zudem, dass eine solche Gebühr nicht sozial differenziere und somit die Schwachen verhältnismäßig stärker belasten würde. Ihr ist es ein Graus, dass mit der Kulturflatrate Beethovens Neunte und ein Pornofilm bezüglich ihres Marktwertes auf derselben Stufe stünden (so wörtlich Punkt 5) – und in der Konsequenz die Kultur verflachen würde.

All das wäre nachvollziehbar: Wenn dieselbe Industrie die Einnahmen aus der Leermittelabgabe ablehnen würde, sobald sie über Brenner generiert wird, mit denen keine Musik kopiert wird. Wenn sie CDs und Downloads für Hartz-IV-Empfänger zum halben Preis anbieten würde. Wenn sie für die Platten ihrer DSDS-Eintagsfliegen nicht zumeist mehr verlangen würde als für ihre Schätze aus dem Rock- und Klassikkatalog.

Das wirklich stechende Argument des Verbandes ist die Sorge vor der Abschaffung der Marktwirtschaft in der Musikkultur. Die Sorge scheint berechtigt, denn so absurd es klingen mag: Rock und Pop brauchen die Marktwirtschaft, um sich überhaupt weiter entwickeln zu können. Verteilt man die in einer Kulturflatrate erhobenen Gebührengelder wie eine Kulturförderung, kann das im Sinne der Erneuerung kaum klappen. Welche offizielle Stelle hätte in den 70er-Jahren Punk gefördert, der damals als Krach angesehen wurde? Welche Regierungspartei hätte sich in den 80ern für Techno stark gemacht, das man als monotone Spaßwelle ansah?

Selbst die Verteilung über die Ergebnisse einer freiwillig von den Nutzern aktivierten Screening-Software, wie sie manche Befürworter der Kulturflatrate als Lösungsmodel propagieren, klingt wenig hoffnungsvoll für Nischen und ungewöhnliche Ideen. Sie soll das wirkliche Nutzungsverhalten beim Surfen und beim Download über diverse Portale dokumentieren, die Logik erinnert aber gefährlich an eine Onlineversion des GfK-o-Meters, mit dem in einigen ausgewählten Haushalten von Freiwilligen die TV-Nutzung gemessen wird. Was bei dieser Art von Meinungsumfrage heraus kommt, ist bekannt und mit dem täglichen TV-Horror von Gerichts- und Castingsshows, die sich nach dem in Quoten gemessenen Erfolg orientieren, einschlägig dokumentiert. Will man als Verfechter einer Kulturflatrate eine Verengung der Musikkultur auf dem Niveau von Privatfernsehen?

Neu an dem Papier des Verbandes ist, dass erstmals Fragen gestellt (Punkt 10) und nicht lediglich Standpunkte verteidigt werden. Vieles ist in der Diskussion über die Kulturflatrate tatsächlich noch überhaupt nicht definiert. Wie verhält es sich mit anderen digital vertriebenen Gütern jenseits von Musik? Wer oder was entscheidet über Höhe und Verteilung einer solchen Abgabe? Wie wird zwischen den unterschiedlichen Bezugsberechtigten differenziert? Wer Fragen stellt, ist neugierig und signalisiert eine generelle Gesprächsbereitschaft.

Viele mögliche Antworten würden sich allerdings erübrigen, wenn die Rechteinhaber selbst die Marktwirtschaft nutzen und einer Kulturflatrate zuvor kommen würden. Würden sie eine Flatrate anbieten, die mindestens so gut ist wie das, was man sich als Konsument mühsam und illegal über Torrent-Tracker besorgen muss, wäre die ganze Diskussion nämlich obsolet. Es wäre ein freiwilliges Flatrate-Angebot, das alle Musik in bester Qualität anbieten würde, sobald sie das erste Mal im Radio lief oder an die Medien ging. Verbunden mit einer guten Aufbereitung und Beratung wäre das eine hoch attraktive Dienstleistung, die der illegalen Konkurrenz klar überlegen wäre. Für all die, die wenig Zeit, aber ein bisschen Geld haben, wäre es ein Traum. Auf der Suche nach dessen Erfüllung begehen sie heute einen Rechtsbruch und nehmen allerlei Widrigkeiten in Kauf. Die Wahrscheinlichkeit, dass sie zahlen, ist sehr hoch – würde man es ihnen nur einfach machen.

Auch für die Künstler wäre eine solche Flatrate eine faire Form der Distribution und Entlohnung, denn sie wäre servergestützt und daher nutzungsgerecht abzulesen und abzurechnen. Für den Verband wäre sie der beste Weg, zu beweisen, wie eine Alternative zur Kuturflatrate aussehen könnte. Lediglich die Kids – traditionell mit viel Zeit, aber wenig Geld versehen – kann man damit wahrscheinlich noch nicht für sich gewinnen. Muss man aber auch nicht zwingend, schließlich ist der durchschnittliche Plattenkäufer bereits 37 Jahre alt. Geklaut haben die Teenager Musik schon immer. Früher hat das nur der Plattenhändler und nicht die Plattenfirma zu spüren bekommen.

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Die Musikindustrie zur Kulturflatrate: Positionspapier gegen ein Phantom on CARTA | 15 comments

Wie enttäuschend aber, wenn ausgerechnet die Popbranche sich nicht traut, dem Prinzip der eigenen Kultur zu entsprechen und stattdessen sich und den Pop auf ihren beiden deutschen Schlüsselveranstaltungen als langweiliges, weil berechenbares Phänomen präsentiert. Auf der Popkomm kam Pop in Form von großen Messeständen der führenden Firmen der Branche daher. Bei der Echo-Verleihung in der o2-World prämierte die Popindustrie diejenigen Interpreten, die am längsten und häufigsten in den Musikmarkt-Charts vertreten waren. Wieso stellt man auf Messen wohl bekannte Strukturen dar, wieso feiert man das, was ohnehin erfolgreich und durch Jahrescharts längst nachgewiesen und hervorgehoben ist? Wir haben die erfolgreichsten Songs des letzten Jahres längst gehört, manchmal mehr als uns lieb ist. Die Messen sind gelesen, sollen wir uns jetzt an Umsatzzahlen berauschen?

Weder die Popkomm noch die Echo-Verleihung ziehen noch. Die Popkomm fiel 2009 mangels Nachfrage aus und ihre Wiederauferstehung in diesem Jahr im Rahmen einer Berlin Music Week wird gerade heftig diskutiert. Echo musste für die diesjährige Veranstaltung in eine alte Messehalle im Westend zurückziehen, da man sich die schicke Arena in Friedrichshain nicht mehr leisten konnte. Mittlerweile verzichten auch internationale Stars wie Depeche Mode, U2 und Kate Perry auf den Besuch. Als Highlights verkündete man in einer Pressekonferenz die aus der Versenkung geholte Soulsängerin Sade und den Hamburger Jan Delay.

Eine Musikmesse als reine Plattform der Labels oder ein Musikpreis als Belohnung für Chartperformance wären in England – dem von den Deutschen so gern bewunderten Mutterland des Pop – undenkbar. Mit In the City gibt es dort eine jährliche Veranstaltung, deren Kern die vielen Konzerte neuer und kleiner Bands in der Stadt Manchester sind. Die Branche zieht zusammen mit einem neugierigen Publikum aus Musikinteressierten von Club zu Club, um sich neue Musiker anzuhören. Der Künstler steht da, wo er hingehört: im Mittelpunkt. So auch bei den Brit Awards und dem Mercury Prize: eine Jury – bei den Brit Awards sind es über tausend Musiker, Produzenten und Journalisten – stimmt über die wichtigsten Musiker und Platten des Jahres ab, und zwar völlig subjektiv und unabhängig vom wirtschaftlichen Erfolg. Die Preisverleihung ist deshalb relevant und hoch spannend.

In Deutschland dagegen sucht man nach Strukturen und Zahlen. Es sind Strukturen, mit denen sich das Geschäft der Labels auf den Messen darstellen lässt. Es sind Zahlen, die belegen, weshalb der eine den Preis bekommt und der andere nicht. Sich seinen Gefühlen, einer Meinung, einer Haltung hinzugeben, dadurch auch einmal parteiisch und ungerecht zu sein, davor hat man wohl Angst. Die Entschuldigung liegt auf der Hand: man hat schlechte Erfahrungen wenn es um Subjektivität und Begeisterung geht. In deutschen Ohren hallt das Hurra nach, mit dem man in die Weltkriege zog; auch der Elan, mit dem manch ideologisierter Deutscher einen Arbeiter- und Bauernstaat aufzubauen half, der ein Überwachungsstaat wurde.

Doch das Argument zieht hier nicht. Andere Bereiche der Kreativwirtschaft haben das längst erkannt und definieren sich über eine Haltung: Der Frankfurter Friedenspreis würde niemals an den Bestseller des Jahres vergeben werden, der Egon-Erwin-Kisch-Preis geht nicht an die Journalisten der Ausgabe mit der höchsten Verkaufsauflage und auch der Deutsche Filmpreis wird nicht von den Kinokassen, sondern von einer Akademie bestimmt.

Zahlen machen nämlich dann Sinn, wenn man es nicht mit Emotionen zu tun hat. Liebe kann man nicht messen, Hass genauso wenig. Musik ist aber nichts anderes als klingende Emotion. Der Versuch, Kunst und Popkultur ausschließlich anhand kaufmännischer Kriterien zu bewerten und die Verwertung allein danach auszurichten, muss schief gehen. Wer einen sinnvollen und spannenden Musikpreis möchte, wer eine funktionierende Messe erleben will, der muss auch den Mut aufbringen, eine Position zu haben, selbst wenn sie unbequem ist. Echo und die Popkomm in ihrem bisherigen Konzept zeigen, wie weit sich die Musikwirtschaft von ihrem eigentlichen Mittelpunkt entfernt hat: von der Musik und den Künstlern.

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Der berechenbare Pop on CARTA | 11 comments

• Die Musikindustrie träumt von Umsatzzahlen aus dem Jahr 1998 und Renditen um die 20%, wie sie ihr damals zu Hochzeiten des CD-Verkaufs noch beschert wurden, wenn sie über die Zukunft redet.
• Die Musiker wünschen sich in digitalen Umfeldern deutlich mehr Freiheit und wirtschaftliche Unabhängigkeit, versuchen sich teilweise von den Apparaten der Musikindustrie zu entkoppeln und ihr Schicksal selbst in die Hand zu nehmen.
• Die meisten Konsumenten verlangen alle Musik zur sofortigen und einfachen Nutzung durch Download, also eine Freiheit, wie man sie vor 10 Jahren dank Napster schon genossen hat.

Alle haben aus ihrer Sicht einen Punkt:

• Wieso sollte die Musikindustrie geringe Ansprüche an ihre Werthaltigkeit stellen, als sie die schon unter einem anderen Geschäftsmodell bewiesen hat?
• Wieso sollen in der Digitalisierung Musiker noch Apparate mitfinanzieren, die von ihrer Dimension auf den Vertrieb physischer Güter ausgelegt sind?
• Wieso sollte ein Konsument für etwas zahlen, was er im Zweifel, wenn auch illegal, per Torrent-Tracker schneller und besser umsonst bekommen kann?

Alle reden in einem babylonischen Stimmgewirr aneinander vorbei und verlangen unmögliches:

• Die Musikindustrie kann sich einem neuen Geschäftsmodel nur verwehren, wenn es ihr gelingen sollte, die totale Kontrolle über ihre Rechte im Netz zu behalten. Totale Kontrolle und Internet gehen aber mit den existenten Bürgerrechten, die die Grundlage der Gesellschaft bilden nicht zusammen.
• Die Musiker werden nur dann in der Lage sein alle ihre Rechte für sich zu behalten, wenn ihre Kapitalisierung sichergestellt ist. Für die Großen ist das kein Problem, für die, die noch groß werden wollen, jedoch nahezu unmöglich Das, was sie als Musik produzieren, ist ein immaterielles Wirtschaftsgut und darauf bekommt man, solange wie die Grundregeln der Finanzwirtschaft (Basel 2) nicht geändert werden, nicht einmal Kredite.
• Der Konsument wiederum kann nicht erwarten, dass sich eine spannende Musikkultur auf Dauer entwickelt, wenn keiner bereit ist, in diese langfristig zu investieren. Weshalb sollte aber jemand investieren, wenn sich Erlöse mit ihr direkt nicht mehr erzielen lassen? Die Frage bleibt zumindest so lange unbeantwortet, wie die Regeln der Marktwirtschaft Bestand haben. Selbst ein Ende dieser im Internet hilft nicht weiter: das staatliches oder über Spenden gesteuerte Systeme im Sinne der Kreativität und Vielfalt wären, ist nicht wirklich anzunehmen.

.Also kommen alle nicht weiter, wenn sie auf ihren jeweiligen Positionen beharren. Solange sie nicht aufeinander zugehen, sondern aufgeregt aneinander vorbeireden, bauen sie an einer Zukunft ohne Substanz. Keine Seite hat die Chance sich wirklich durchzusetzen, die Ansätze greifen nicht ineinander. Willkommen in Babylon. Aber selbst wenn es einer Partei gelänge, ihre Position durchzuholen wäre das Ergebnis ein Staat, ein Markt, oder ein kulturelles Angebot, mit dem man oder in dem man nicht  leben möchte.

Wenn man allen Seiten gerecht werden will, muss man ein Angebot entwickeln, welches:

• sicherstellt, dass keine faktische Enteignung des Produzenten eintritt, also ein Markt durch Wettbewerb und Nutzung zuordenbarer Rechte  in der Musikwirtschaft erhalten bleiben kann.
• Einstiegshürden für kleine Anbieter abgebaut werden und der Umstieg in den moderneren, aber auch ressourcenfreundlichen Download forciert wird.
• dem Konsumenten einen Service bietet, den er im Netz auch per P2P bislang noch nicht erhält.

.Die einzige Möglichkeit, die sich da anbietet, wäre sicherzustellen, dass:

• jeder Internet Service Provider neben dem reinen Anschluss auch eine Flatrate zum Downloaden und Behalten von Musik (und später anderen Kulturgütern) anbietet
• in dieses Angebot jeder aufgenommen werden muss, der dies mit seiner Musik will
• umgekehrt auch jeder seine Musik dort einstellen muss, sobald er sie Dritten kommerziell zugänglich macht.

.Die Konsequenz daraus wäre:

• Es könnte anteilig (pro rata numeris) jeder einzelne Download fair dem Rechteinhaber gegenüber abgerechnet werden
• Jeder Anbieter könnte einfach und schnell an dem Markt teilhaben, egal ob mit oder ohne Label
• Der Konsument hätte garantiert immer die neueste Musik, in bester Qualität und totaler Vollständigkeit zur Verfügung, müsste dafür aber ein Abo bezahlen.

Bei der all2gethernow saßen endlich alle Parteien zusammen. Sobald man über solche Modelle spricht, wird die Kommunikation aber schwer. Die Musikindustrievertreter verstehen nur „Kulturflatrate“ und denken an eine Art Steuer für ihr Produkt, die eher der GEZ ähnelt und die sie im Sinne eines Marktes ablehnen müssen. Die Künstler wiederum hören Pauschalisierung und denken voller Schrecken, aber zu unrecht, an die Abrechnungen aus der pauschalen GEMA-Blackbox. Einige Konsumenten  schließlich sind verunsichert, wenn sie hören, dass es hier auch ums Bezahlen geht.

Alle wissen aber, wie die Sache mit Babel ausgegangen ist. Die Wahrheit wird sich nur finden, wenn man weiter aufeinander zugeht, zuhört  und eine gemeinsame Sprache findet. Geschieht dieses oft und intensiv genug, verlieren irgendwann auch Vorschläge wie dieser ihren Schrecken für die Bewahrer des jeweiligen Status Quo.

Tim Renner bloggt auf motor.de

Willkommen in Babylon on CARTA | 6 comments

Ziel der Staatsgründer war, endlich die Künstler besser zu stellen. Schiller, van Gogh, Mozart und Co. taten Großes und starben verarmt. Die Gutmenschen in Ost-Berlin wollten nicht mehr posthum die Geistes- und Kunstgrößen ehren und umbetten, sondern schon zu ihren Lebzeiten für gute Arbeits- und Lebensbedingungen sorgen. Wer Künstler war, dem sollte ein Grundeinkommen wie ein Facharbeiter sicher sein, denn sein Beitrag für die Entwicklung der Gesellschaft war ebenbürtig. Ein absolut ehrenwertes Vorhaben. Um aber herauszufinden, wer nun Künstler war und wer nicht, schuf man eine Einstufungskommission. Vor dieser hatte man zu präsentieren und wer die Prüfung in Sachen Kreativität und Können bestand, der konnte fortan Eintritt nehmen, bekam sein Grundeinkommen, musste dafür als Musiker aber auch auf Anfrage des nächst besten Kombinats dort bei der Firmenfeier auftreten.

Rock- und Popkultur zeichnet sich dadurch aus, dass sie den existenten Mainstream angreift oder zumindest in Frage stellt. Daraus bezieht sie ihre immerwährende Erneuerung. Das Problem einer staatlich gesteuerten Kultur besteht aber darin, dass es schwer ist, den zu fördern, der einen gerade angreift. Eine Einstufungskommission kann genauso wie GEMA-Verwaltungsräte nicht aus dem Underground kommen, sondern repräsentiert bestenfalls das Kultur-Establishment, wenn nicht gar die Kultur von vorgestern. Das liegt in der Natur der Sache: Wer das Vertrauen von Staat oder Institutionen haben will, sollte mehr vorzuweisen haben, als eine schrille Idee oder ein Erstlingswerk. Wer in solche Ränge aufrückt, hat seine verdienstvolle Karriere meist hinter sich.

Punks hatten deshalb in der DDR keine Chance. Als ich mich als erste journalistische Arbeit Anfang der Achtziger mit Bands wie Tapetenwechsel oder Müllstation heimlich in Ost-Berlin am Alex traf, wurde ich nicht verhaftet, weil man die Musik als staatsgefährdend eingestuft hätte. Aus der Stasi Akte geht hervor, dass die Musik als nicht einzuordenbarer Krach, die Akteure als asoziale Elemente gesehen wurde. Der Staat und seine Kulturkommissionen verstanden die popkulturelle Dimension des Punk schlicht und einfach nicht. Deshalb vermuteten die Sicherheitsorgane eher einen Austausch von Drogen denn Musik-Tapes hinter unserem konspirativen Treffen.

Kein Wunder, dass so wenig von der Staatskultur bleibt, wenn man in seinen eigenen, starren Systemen gefangen ist und deshalb kulturelle Innovation nicht mehr als solche erkennen kann. In Wirklichkeit brodelte es in der DDR längst. Egal ob in der Musik (von Rammstein bis Silbermond, von Paul van Dyk bis Tokio Hotel) oder in der bildenden Kunst (von Bisky bis Gursky, von Rauch bis Tippelmann), schon bald setzten in Wirklichkeit die Mitbürger aus dem Osten für das neue Deutschland den Trend. Die ehemalige DDR gab popkulturell weit mehr her als angestaubten Deutschrock, das gut gemeinte Fördersystem ließ es lediglich nicht zu.

Am 9. November feiern wir das Ende des engen, weil technokratischen Deutschland. Noch immer beklagen wir aber andere starre Strukturen in der Kultur, die ähnlich funktionieren wie die Einstufungskommissionen der DDR. Auch in der GEMA will man nur das Beste für ihre Mitglieder, daran besteht kein Zweifel. Ihre drei Kurien (so nennen die sich wirklich!), die Textdichter, Komponisten und Verleger abbilden, sind besetzt mit verdienten aber nicht zwangsläufig innovativen Persönlichkeiten. Das was als Kultur klar erkennbar ist, wird von ihnen gefördert, da ist man sich einig. Deshalb erhält jede klassische Komposition bei der Aufführung ein Vielfaches. In der Konsequenz führt das zu Annekdoten wie den Hauskonzerten des Ausnahmekomponisten Karl-Heinz Stockhausen. Regelmäßig stellte angeblich der deutsche Neoklassiker ein Schild vor sein Haus mit der Aufschrift „Heute Konzert“, reichte dieses dann als Aufführungsmeldung bei der GEMA ein und freute sich an den hohen Zuschüssen für seine Kunst.

Zahlen tut die GEMA so etwas aus ihren größten Aufkommen, nämlich der so genannten Blackbox. Hier wandert alles rein was sich nicht klar zuordnen lässt. Und es ist viel, was sich nicht zuordnen lässt: da zum Beispiel Clubs hierzulande, anders als in Frankreich nicht überwacht werden, fließt, egal was der DJ spielt, am Ende das meiste den cleveren, klassischen Musikern oder den Großverdienern a la Bohlen zu. Ähnlich verhält sich das im Radio. Nur ein paar große Stationen werden ausgewertet, Sender wie Motor FM tragen lediglich zum großen Topf bei. Entweder wird subventioniert oder der Reiche noch reicher gemacht, da das Unzuordenbare proportional dem Nachgewiesenem ausgeschüttet wird. Dies geschieht nicht in böser Absicht, sondern ob der Unfähigkeit eines technokratischen Systems sich aus sich selbst heraus zu erneuern. Es ist viel von den Kurien verlangt, Veränderung in Kunst, Gesellschaft und Medien schnell zu erkennen und diese dann auch noch in einer Verteilungsstruktur abzubilden, die sie selbst potentiell benachteiligt. Wenn eine GEMA von der Idee her gerecht und innovativ sein könnte, dann wären es die Einstufungskommissionen auch gewesen…

Tim Renner blogt für Carta und Motor.de, wo auch dieser Beitrag erschien.

Die Mauer muss weg! on CARTA | 4 comments

Verglichen dazu geht es der Musikindustrie heutzutage noch Gold. Dank einiger Rechentricks (seit 2002 werden von ihrem Verband plötzlich Erträge von über 125 Millionen DVD/VHS in den Tonträger-Umsatz eingerechnet) befindet sie sich hierzulande auf 60% der früheren Größe. Das Problem ist aber identisch: Die Branche ist konfrontiert mit einer ursprünglich militärischen Entwicklung die den Massen in den neunziger Jahren zugänglich gemacht wurde und ihre Musik umsonst verbreitet: das Internet. Eine vernünftige, wirtschaftliche Nutzung gelingt bislang noch nicht (der Marktanteil legaler Downloads beträgt in Deutschland derzeit jämmerliche 5% wenn man Klingeltöne nicht mitrechnet). Eine globale Wirtschaftskrise haben wir dafür diesmal auch wieder zu bieten.

Das erste Mal überwand die Musikwirtschaft ihr Leiden im Laufe von zwanzig Jahren durch drei sehr konkrete Maßnahmen:

1. Der Preis für das in die Jahre gekommene Format Schellack wurde von 75 auf 35 Cent gesenkt,

2. mit HiFi wurde eine technische Innovation forciert,

3. mit dem Senderecht und einen Einigungszwang für Vergütung zwischen Radioveranstaltern und Urheber- und Leistungsschutzrechtsinhabern wurde vom Gesetzgeber Planungssicherheit und ein wirtschaftlicher Ausgleich geschaffen.

In der Folge wurde die kranke Musikwirtschaft zur globalen Erfolgsstory mit traumhaften Zugwachsraten. Da man das alles schon einmal durchlebt hat und diesmal kein Weltkrieg die Umsetzung von Lösungsmöglichkeiten behindern sollte, kann es keine 20 Jahre brauchen, bis die Branche wieder rund läuft. Vorraussetzung ist, dass man aus der Geschichte lernt und nicht Fehler wiederholt.

Offensichtlich waren es drei Faktoren, die der Musikwirtschaft den Wandel zum Guten brachten: Preis, Darreichungsform und Rechtssicherheit. Wendet man diese auf die aktuelle Situation an, kommt man ziemlich schnell zu dem Modell Flatrate. Diese bietet einen anderen, potentiell geringeren Preis pro Titel; eine neue Nutzungform und so es gesetzliche Regelungen mit den ISPs (also den Anbietern von Internetanschlüssen) gibt, auch eine neue Form der Rechtssicherheit.

Genauso wenig begeistert wie sie bislang von Flatrate-Modellen sind, waren die Majors dereinst von Senderecht und dem Kontrahierungszwang im Rundfunk. Als die europäischen Regierungen eine nach der anderen verfügten, dass jede Radiostation jeden Titel spielen dürfe, sobald dieser zum ersten mal veröffentlicht worden sei, sprachen die großen Labels von Enteignung. Im Ausgleich für das so genannte Senderecht wurde jedoch festgelegt, dass die Rechteinhaber einen Anteil von Werbung oder Gebühren zu erhalten hätten. Auf dessen Höhe und Bemessungsgrundlage sollte man sich untereinander mit den Radios einigen. Ohne Einigung, so die Drohung und das Konzept, würde der Staat über einen Schlichter eine Vergütung erzwingen.

Die großen Plattenfirmen wehrten sich vehement gegen diese Idee, weil das Senderecht ihre Macht zu schmälern drohte. Absprachen, dass man den Song eines Stars als erster bekommt, wenn die Station dann auch einen anderen, weniger beliebten spielt, waren nicht mehr möglich. Genauso hatten sich Gebühren die man für eine Erstaufführung von neuen Hits erheben konnte, für die marktbeherrschenden Firmen in der Sozialisierung einer gemeinsamen Abgabe an GEMA und die Verwertungsgesellschaft GVL erledigt. Auf Seiten der Radios mochte man sich auch ungern vom prima Geschäftsmodel verabschieden, Content und somit Sendeinhalte in der Regel umsonst verbreiten zu können. Allerdings war man gesprächsbereit, denn man sah den Vorteil der Planungssicherheit. Die per Gesetz forcierte Einigung war am Ende aber zum Nutzen aller. Die Schiedsstelle musste bis heute nicht einmal einberufen werden.

Auch diesmal sind es nicht die Kanäle, in diesem Fall also die Telekommunikationsgesellschaften, die sich völlig einer Flatrates verwehren. Natürlich möchten sie nicht zu solchen als Bestandteil eines Internetanschlusses per Gesetz gezwungen werden, aber generell haben auch sie verstanden, dass sie nicht endlos werden davon profitieren können, dass über ihre Leitungen und Anschlüsse die Rechte Dritter verletzt werden. Einige verhandeln längst mit der Musikindustrie über Wege wie sie ihre eigenen Internetanschlüsse mit gut aufbereiteten Musikangeboten aufwerten könnten. Die Majors zeigen sich abermals sperrig: Ihre Sorge ist, dass eine echte Flatrate, die alle Neuheiten beinhaltet, sobald diese ans Radio gegangen sind, ihren kompletten Katalog abbildet und als Download verfügbar macht, auch wenn das jeweilige Flatrate-Abo abgelaufen ist, zur endgültigen Erosion ihres Geschäfts führen könnte.

Die Situation ist genau die gleiche wie vor Einführung des Senderechts: Wer keine Tonträger kaufen mag, bekommt im Internet bereits alles geboten um diese zu ersetzen. Genauso wie manche Aufführung die damals im Radio lief, ist das häufig illegal, jedoch ohne tiefen Einschnitt in die Freiheit der Kommunikation nicht zu verhindern. Kauft der Musikfan dennoch eine CD, dann hat er einen Grund dafür, der durch die Einführung einer Flatrate die mit den Torrent-Trackern konkurrieren könnte, nicht wegfallen würde. Flatrates würden legale Download-Portalen wie iTunes und Musicload (alle zusammen erzielten 2008 knapp 80 Millionen Umsatz) das Leben schwer machen, nicht mehr, nicht weniger.

Laut einer von der Industrie in Auftrag gegebener GfK Studie gibt es in Deutschland 14.3 Millionen Musikkäufer. Das sind 17.4 % der Bevölkerung und diese geben im Schnitt mehr als 9 Euro pro Monat für CDs und Downloads aus. Würde man den 31.8 Millionen Kunden der ISPs eine Musikflatrate anbieten, die in bester Datenqualität für 9.99 Euro im Monat legal alle verfügbare Musik zum Download vorhält, sobald sie ans Radio und zu Journalisten gelangt und prozentual der gleiche Anteil an Musiknutzern diese annehmen, entstünde ein Umsatz der jährlich über 663 Millionen beträgt. Das ist bereits mehr als die Hälfte dessen, was die Industrie 2008 mit CDs erzielen konnte. Dieser Umsatz hätte für die Labels eine viel höhere Margin (die Tonträgerfertigung, Vertrieb und Retouren entfallen und somit steigen die Gewinne) und wäre zu Teilen nicht substituierend, sondern additiv.

Solche Gedanken wurden auch im letzten Monat auf der all2gethernow in Berlin diskutiert. Die dort vertretenen Musikwirtschafts-Lobbyisten und Labelmacher bemühten sich sofort danach festzustellen, dass man sich ob der bloßen Diskussion auf solche Ideen noch lange nicht geeinigt habe. Ihr Branchenblatt „Musikwoche“ nannte, ohne seine Meinung zu begründen, diese Flatrate-Modelle „Eine Milchmädchenrechnung“. Die Fronten sind völlig verhärtet zwischen denen, die wie die Industrie eine autoritäre (Kontrolle des Internets, wie immer das auch gehen soll), wie Teile des linken Spektrums eine etatistische (Einführung einer staatlich erhobenen Kulturflatrate, wie immer man die auch verteilen will) oder wie viele aus der Netz-Welt eine anarchistische (keine Bezahlinhalte mehr, was immer dann auch die Vergütung kreativer Arbeit sein soll) Lösung anstreben.

Eine in unserem System der Marktwirtschaft funktionierende Lösung kann aber immer nur eine sein, die ein Angebot beinhaltet, was mindestens so gut ist, wie das der Konkurrenz. Dabei spielt es, wenn man gegen ihn bestehen will, leider keine Rolle, ob der Wettbewerber ein legaler oder illegaler Anbieter ist. Akzeptiert man das jetzige, mehrheitliche Nutzerverhalten im Netz als Realität und versucht ein Angebot zu machen, dann führt kein Weg an einer Form der Flatrate vorbei. Wenn sich dieser Gedanke bei der Industrie und den Verbänden durchsetzt oder diese im Interesse der von ihnen vertreten Künstler von der Gesetzgebung zu einer Einigung gezwungen werden, dann könnte dass das Ende der Krise der Musikindustrie sein.

Diesen Text hat Tim Renner auch auf Motor.de veröffentlicht. Wir übernehmen ihn im gemeinsamen Gedenken an die Heydays der alten Musikindustrie.

Das Ende der Krise der Musikwirtschaft on CARTA | 14 comments

„Panta rei“ – Alles fließt – sagte man früher. Das klingt nett und meditativ. Alles ist ein Wasserfall – finde ich treffender anhand der Geschwindigkeit des Wandels den ich heute rings um mich sehe. Und mit dieser Geschwindigkeit kommt dann auch die Verantwortung zur Veränderung. Denn wer sich in Umbruchsituationen bewahrend, also konservativ, orientiert handelt grob fahrlässig! Deshalb heißt es für mich immer wieder: „Hallo Veränderung, hier bin ich, schön dass Du auf mich gewartet hast.“

Die Musikindustrie ist auch von Natur aus kein Freund der Veränderung. Sie wollte ihr Geschäftsmodell bewahren. Dank Internet musste der Musikfan seit Ende der Neunziger kein ganzes Album mehr mit 10 bis 12 Songs für 14.99 Euro kaufen. Mit der Langspielplatte haben die Plattenfirmen und ihre Künstler aber seit je her ihr meistes Geld verdient. Die Revolution für den Musik-Konsumenten bestand darin, dass er nun im Web punktgenau das bekommen konnte, was er auch wirklich haben wollte. Wenn ihm nur drei oder vier Songs vom Album gefallen, nimmt er halt nur diese. Ein „Schönhören“ der restlichen Werke – wie in unserer Jugend – ist somit nicht mehr notwendig. Schade für Labels und Interpreten, aber zugleich unabwendbare Realität.

Gibt man dem Konsumenten nicht auf legale Weise das, was er haben will und was zudem technisch möglich ist, dann besorgt er es sich eben anderswo. Ist dieses Anderswo in der Illegalität, wird ihn das kaum moralisch belasten, zumindest solange wie es kein identisches, legales Angebot gibt.

Nun könnte man meinen, ich hätte mich seit 2004 als kleiner Teil der Musikbranche endlich zurücklehnen und meine Kinder, Wein, Musik, Literatur, Sonne und Frau genießen können. In diesem Jahr traute sich die Industrie endlich, progressiv nach vorne zu schauen und lizensierte Apple erstmal ein legales Angebot zum Download und Downburn. Für iTunes und andere machte man die Musik aber schlechter als sie ist, in dem man mit Kopierschutz ihre Nutzbarkeit von den Geräten her stark einschränkte. Obwohl auch das seit Mitte des Jahres zumeist Geschichte ist, ist man im Optimum noch immer nicht angekommen. Musik wird nach wie vor „chartoptimiert“ veröffentlicht. Das heißt man staut den Bedarf auf, lässt erstmal das Radio und MTV die Songs spielen und veröffentlicht dann, wenn der Druck aus dem Markt am größten ist. Dieser Druck führt dann zu schnellen Abverkäufen und diese bedingen hohe Chartpositionen. Leider entlädt sich meist der Druck vorher, aber eben illegal…

Die einen, die sich im Netz die Musik beschaffen wie und wann sie wollen, finden die Musikindustrie nur doof und gierig. Ihnen wird als legales, faires Angebot vorenthalten, was sie wollen und eine „Chartoptimierung“ der Musik die sie lieben klingt für sie wie eine Drohung, nicht wie ein Versprechen. Die Musikindustrie wird hingegen nicht müde, gegen ihre vermeintlichen Kunden in den Medien und bei der Politik als zu verfolgende Rechtsverletzer zu agitieren und Einschränkungen von Bürgerrechten (in Form von Internetsperrungen und Überwachung von Datenflüssen) zur Rettung ihrer Chartmechanik zu fordern. Politik und Künstler wiederum lässt der Konflikt beiden Seiten in der Regel mit entschlossener Ratlosigkeit zurück.

Ein Fanal wie die Absage der Popkomm in diesem Jahr ist die Chance zur Veränderung. Veränderung kann aber nur funktionieren, wenn auch alle Seiten miteinander und nicht übereinander sprechen. Die einen trafen sich in der Vergangenheit auf Veranstaltungen wie der re:publica, die anderen verschanzten sich eben genau auf besagter Popkomm. Zu der Zeit, zu der diese heuer stattfinden sollte, nämlich am 16. und 17. September werden nun unter dem Titel „all2gethernow“ Spitzen aus Politik, Verwertungsgesellschaften, sowie Konsumenten, Labels, Internetunternehmer und Musiker in Berlin zusammen diskutieren, wie die Zukunft der Musikwirtschaft aussehen könnte. Jeder kann für schmales Geld (20 Euro) mitmachen, Kontakte knüpfen und seine Ideen und Meinungen auf Augenhöhe einbringen. Gemäß der Spontanität der Szene, kann man bis zum letzten Moment auflaufen.

Die Ergebnisse dieses Barcamps werden dann am 18. September im Radialsystem in Form einer Konferenz präsentiert. Eingeladen sind dort auch Personen und Firmen die im Musikgeschäft bereits etwas erfolgreich anders machen. Manager von Bertelsmann werden erläutern, wieso der Konzern angefangen hat, Künstlern Geld zu leihen, statt sie fest an eine Plattenfirma zu binden. Jim Griffin wird ein amerikanisches Model vorstellen welches schon heute Studenten ermöglicht, ohne Musiker um ihren Verdienst zu bringen, alle Songs die sie mögen legal zu bekommen. Bands werden aufzeigen wie es ihnen gelang rein über ihre Fans Plattenaufnahmen zu finanzieren; der Marketingchef von Pro7-SAT1 wird darstellen wie und warum sie zukünftig mit Sell-A-Band zusammenarbeiten; der Futurologe Gerd Leonhard begründet wieso Musik wie Wasser ist, die Flatrate der Isle of man wird präsentiert und viele Lösungsansätze mehr…

Popmusik lebt eigentlich von der stetigen Erneuerung, aber die Diskussion über ihre Wertschöpfung war bislang erstaunlicherweise immer rückwärts gewandt. Beide Seiten, egal ob Musikindustrie oder Freigeister aus der Netz-Community, wollten die Schuldigen suchen und den Status quo – die CD hier, das scheinbar völlig kostenfreie Internet da – bewahren. In Berlin, der Stadt der Umbrüche, ist diese konservative Lebenshaltung beider Parteien nicht drin. Wir erleben hier Tag für Tag, das nichts für Ewig und vieles eine ewige Improvisation ist. Bei der “all2gethernow” werden wir eine solch konservative Lebenshaltung schon mal gar nicht durchgehen lassen. Wenn alles gelingt können die drei Tage ein Beispiel sein, wie man in der Veränderung miteinander umgehen kann. Egal ob Finanzmarkt und Energiewirtschaft, es gibt noch viele große Systeme die sich verändern müssen. Der Musikmarkt ist nur der offensichtliche Anfang.

Wasserfall des Wandels: All together now. on CARTA | 3 comments